中国服装设计教育之忧
不能适应产业发展的教育
尽管经济低迷，每年春季的国际时装周还是如约而至，并轰轰烈烈地上演。这个秀台，不仅展示国内外设计师的新作，更是国际服装品牌之间的较量。与法国、意大利等国家相比，我国服装产业的品牌影响力仍然显得弱小，在从“中国制造”到“中国创造”的过程中，其核心问题便是缺少一批世界级的服装营销大师和服装设计大师。而服装设计的优秀人才能否脱颖而出，关键在于中国服装设计教育能否适应产业的发展。
伴随服装业的发展，我国服装院校的发展也日新月异，每年有大批服装艺术设计专业的毕业生走进社会，但仍满足不了企业的需求。据国内较早创办服装设计教育的某所美术学院服装系的毕业生从业状况调查，近10年来，该系服装设计专业的毕业生80%都改行从事其他工作了，只有极少数毕业生自创品牌，成为设计界的佼佼者。
新型设计创新人才的缺乏，已成为制约中国服装业国际化进程的软肋。业内人士的普遍看法是，教学理念与市场需求的不适应、教学模式与产业进步的不匹配，是中国服装设计教育制造的“产品”难以满足产业发展需求的根本原因。
服装设计不是简单地画画
服装设计作为艺术性很强的专业，在国内高校一直以艺术类人才的模式进行培养，有没有美术基础通常成为衡量考生专业素养的关键。服装设计课程很多，但课程设置上倾向于理论性科目，与企业实际需求相关联的内容却不多。
其实，对服装设计者来说，用绘画的语言描述服装的形态，只是一个最基本的表达方式。而考察学生有没有学到“真功夫”，是面对同样的创作材料，如何通过服装的结构线和工艺细节体现出设计思想。
笔者曾深入考察过ESMOD北京，发现法式服装设计教学特别强调对学生动手能力的培养，并且贯穿于教学过程。学生入校之前可以没有任何设计功底，也可以不必拥有较深厚的绘画基础。ESMOD北京的法国老师解释道：“这就是我们与中国高校的最大区别。一个人是否有美术基础，对将来做设计师不是一个必要的因素，因为服装设计是一门实践性很强的工作。” ESMOD北京的法国校长ZOHRA告诉笔者，为了适应这样的教学要求，担任该校服装设计专业的老师都是具有多年设计工作经验、曾在多家法国知名时装公司和设计工作室工作过的设计师，并且全部由法国ESMOD本校派遣。
如何引导学生进行服装的原创设计？ZOHRA认为：“服装设计要从侧重自我表现回归到市场和实用，因此，专才是做设计师的必要因素。可能我们的学生画画比不上专业院校，但只要你有想法、肯动脑筋而且善于与市场结合，实用才是最重要的考核标准。精到选用民族元素，生动表现出现代人的生活方式，是ESMOD要求学生掌握的国际品牌游戏规则，也是我们理解的设计国际化的一个标准。”
创新设计提升产业水平
服装设计师要从消费者的角度考虑，你设计的产品能否卖得出去，产品如何才能更快进入市场。强调设计与制作相结合的能力是教学当中最重要的理念。服装设计教育强调的不是做美术作品，而是要围绕消费需求进行创新思考和设计创造。
国内服装设计教育的现状是，老师照着教材，向从未接触过国外生活的学生大讲国际设计大师的时尚理念，学生看着国际品牌图片研究其设计风格，毕业前模仿一些流行概念画出一组创意性服装，上街找裁缝制作出来……这样打造出来的“设计师”，又怎能适应国内企业的创新需求呢？
一些教师也承认，由于缺乏实战经验，他们自身都没弄明白品牌的设计创新，仅靠从书本上了解的一点设计理念去教学生，学生显然难以应对企业亟须解决的设计问题。
中国服装行业面临着用设计创新来提升产业链各环节专业化的一系列挑战。培养具有全面文化素养的专业设计人才，迅速提升产业的整体生产力水平，提升品牌的时尚流行文化魅力，让“中国创造”的服饰品牌充分体现出东方大国的物质文明和精神文化的内涵，在这一系列挑战中，人才短缺是核心问题。
服装设计教育，是围绕教材开展封闭式的教学，还是深入研究产业发展的变化需求呢？变革教学的传统模式，紧紧围绕时代进步的需求去创新教学体制，这是ESMOD北京在服装设计人才培养上的经验带给我们的启示。将国际设计教育的先进模式、最新理念等进行消化、吸收，探索出中国这个服装产业、贸易、消费大国的服装设计教育的国际化战略，有助于我们构建具有中国特色的、面向世界的设计教育体系。
发布时间：2009-06-25 11:06 来源： www.ccdy.cn 作者：方月
艺术生的“有业不就”与“无业可就”
某专业调查机构的大学生就业数字显示，我国本科就业率最低的十大专业中，音乐、美术和音乐表演3个专业，以相对较低的就业签约率垫底。六七月份，我国总共约有610万毕业生离校，在尚未与用人单位签约的毕业生中，有相当大的比例是艺术生。
除了这些年的艺术生扩招导致艺术专业毕业生数量大增、艺术学生质量滑坡、艺术专业就业市场狭窄等客观原因外，从自身原因来看，艺术类毕业生目前存在的两种情况较为突出：“有业不就”与“无业可就”。
“有业不就”的重要原因是家长和毕业生期望值太高。许多家长从孩子很小时便开始培养其艺术素养，买器材、请老师，参加各类等级考试，投入比一般学生要大，从初中、高中到大学毕业，可以说，艺术生除了学校正常科目的学习外，学生和家长在时间和金钱上都付出了更多。所以，在找个对口专业单位很难的情况下，“有业不就”的现象就较突出了。青岛市一位家长对笔者说：“今年孩子音乐专业毕业后，一直想进院团，亲戚朋友做了许多工作，但院团很难进。后来，好不容易帮他找到了小学音乐教师的工作，这已经很不容易了，但他却不理会家长的辛苦，还是坚持要考院团，否则就不工作。我们做家长的也很无奈，如果再拖下去，小学音乐教师这种职位也没有了，估计只能在演艺公司等地方先将就了，但那样又很不稳定。”
高不成低不就，是艺术生“有业不就”的重要表现。另一方面，“有业不就”还表现在专业不对口。小许是河南某市音乐理论专业的硕士研究生，一心想进高校，但是高校很难进，最后进了一家职业学校的图书馆。现在还处于试用期的小许对笔者称，每天接待学生借书、还书，整理书架，自己很不喜欢这种工作，专业所长一点都得不到发挥，但是高校、院团、研究机构等好单位，多数不缺音乐理论方面的研究人才，只能先暂时在这里将就了。“虽然不喜欢，但为了不让家长操心，还是接受了。我算很理智了，许多同学找不到合适的工作就在家闲着，或者找些公司打短工，我们班里像我这样选择就业的学生很少，少数已签约的，也多是不对口单位。”
“无业可就”也是当前艺术类学生必须考虑的一个问题。专家称，这些年为社会各界诟病的中文、新闻、金融、会计、企业管理等专业，因为专业扩招，毕业生多，专业职位严重饱和，但是，面对经济危机，这些所谓的“大众专业”的灵活性却凸显出来了。许多学生会根据现实情况慢慢调适自己的心态，降低要求，比如中文专业，本来可能想着要考公务员、进高校、进媒体，在现实面前，可能有公司的文秘职位也就签了，先就业后择业。然而，艺术专业却不同，尤其像国画、雕塑、油画、戏剧、配音等纯艺术专业，很少有单位会大量需求，除了自主创业、自由创作、兼职等形式外，在选择就业单位上较缺乏弹性，这也是艺术生就业率走低的一大原因。“虽然许多毕业生即使不就业也并不闲着，有些会打零工，但这些并不能反应在就业率上，社会和家长在观念上也对这些毕业生存在一定的偏见，觉得是‘不务正业’。”
针对“有业不就”和“无业可就”的情况，社会各界表达了各自的观点。有高校老师称，今年就业危机显现出来的艺术生就业矛盾，值得教育主管部门和高校深思，艺术生本来就应该是“少而精”的专业，在教学模式、学生结构上都应该多多反思。从学生一进校门，学校就应该针对学生的就业进行规划，在学习和实践过程中，应多开展一些有利于学生就业的实践活动，不能等到学生毕业时，就把学生全部推向市场，更不能像有些高校，逼着学生签约搞“虚假就业”。另有专家建议，当前的关键是“亡羊补牢，也为时未晚”，不要把大量无业人员推向社会，应从社会舆论上引导今年的艺术类毕业生顺利就业，比如宣传自主创业、灵活就业的典型案例，让学生抛弃悲观念头，“青春无价，处处可以有作为”，先就业，后择业，树立正确的就业观念，充分利用国家和学校的相关政策寻找就业出路。
发布时间：2009-06-16 10:49 来源： www.ccdy.cn 作者：杨冰
艺术管理教学缺什么
制约文化市场和文化产业发展的主要瓶颈之一，就是缺乏复合型人才。我们常说：懂文化的人不懂市场，懂市场的人不懂文化——就是复合型人才难得。
为了给文化市场和文化产业发展提供急需人才，近10年来我国艺术管理教育应运而生，目前有几百家院校以院、系、专业的形式开展艺术管理教学。但是，近几年毕业的艺术管理专业学生，还不能很好地胜任岗位工作，特别是高级管理岗位，除了实际工作经验缺乏外，很重要的原因是知识结构不完善，突出问题是缺乏系统的财经知识教育。
笔者参加过几个艺术管理专业课程设计研讨会，发现艺术管理专业主要是基于艺术类学校和文科学校，这些学校本身就缺乏财经教学基础，而综合性文科院校有财经教学基础，又缺乏艺术教学基础，在教育体系内，就存在结构不合理的问题。对于培养的管理人才在工作实践中到底应具备什么样的合理知识结构，认识就很模糊。
笔者认为，西方经济学、财务管理和会计原理、市场营销课程是艺术管理教育中必须安排的内容。如西方经济学对理解国家经济政策走向和宏观管理文化经济、文化市场、发展产业有层次上的帮助；会计学原理让学生懂得成本核算和财务分配方式，清楚财务风险；财务管理使学生掌握筹资、投资、运用资金的方式方法，学会理财和管理控制财务；市场营销知识对于文化企业已越来越重要，不仅要了解传统市场营销理论，更要掌握体验经济营销、关系营销、事件营销、网络营销和知识产权营销相关知识……
目前，艺术管理专业教学在招生过程中也隐含一些问题。学生艺术专业分数不如专业院系学生那样严格要求，统考分数又不如其他高校的录取分数。方向不明的入学基础再加上4年结构不合理的教育，其结果是培育了很多“高不成，低不就”的“人才”。
艺术管理岗位实际是为艺术发展和推广服务的，除了对艺术专业要有正确的认识和理解之外，更重要的是通过管理工作达到发展和推广的目标，而发展和推广又离不开经济环境和市场效益。文化艺术组织分非营利性与营利性，但两者的本质区别不在于做不做经营，而在于经营的结果（利润）是否分配。拥有一定的资金，是实现文化艺术组织良性循环并发展壮大的基础，在艺术组织管理岗位上，艺术策划、资金筹集和市场推广是其“三驾马车”，“驾车人”就需要是既懂得艺术专业知识、又了解市场和经营状况的复合人才。而目前的艺术管理教学普遍存在方向偏离，其共同缺陷，就是忽视经济学、金融财税和财务知识的教学，这必须引起高度重视。
发布时间：2009-06-08 10:00 来源： www.ccdy.cn 作者：胡月明
艺术生就业：完善政策、转变观念，缺一不可
鼓励学生返乡就业
毛毛是山东工艺美院摄影专业今年的毕业生，从年初开始，他就往电视台、报社等心仪的单位投了不少简历，但多数石沉大海。有家广告公司比较青睐毛毛，可是工资很低，试用期间不足千元，毛毛离校后还要面临租房等一系列问题，更别提在省城买房安家了。学校老师也一直鼓励学生返乡就业，不要扎堆省城，于是，在父母的支持下，毛毛回老家潍坊开了一家摄影工作室。
“一是作为独子，跟父母住得较近，心里踏实，二是在老家开摄影工作室也较赚钱，还没离校呢，已接了几单婚纱摄影的生意。我不会因为考虑面子问题就决定拿那么点工资待在省城，自己太累，也赚不了什么钱。”毛毛说。
这样的案例在今年的艺术生就业过程中随处可见。山东工艺美院有位老师对记者说，不同于中文、历史、数学等传统专业，艺术专业学生自主创业、灵活就业较容易实现，因今年就业形势较严峻，学校也很鼓励学生返乡就业，不要扎堆大城市。
据记者了解，山东工艺美院在今年毕业生就业问题上除了与国家相关就业政策保持一致外，还专门出台政策鼓励学生返乡就业，比如，对返乡学生给予奖励，此外，还完善了各方面的就业指导，在就业信息网站上，学校定时发布最新的就业信息，方便学生及时掌握就业动态。
指导学生基层就业
除了鼓励返乡就业外，山东工艺美院还实施了“一村一名大学生工程”等措施鼓励基层就业。对于到基层单位工作的学生，城市社区工作的薪酬每月不低于800元；到农村工作的，可通过法定程序安排担任村党支部、村委会的相应职务，由市、县两级政府给予每月不低于600元的生活补贴。
面对世界金融危机对我国宏观经济和就业形势带来的不利影响，中央音乐学院把今年的毕业生就业工作列为了“一把手工程”，制定并实施了多项举措应对就业挑战。
“作为艺术类院校，高质量的就业渠道，比如国内重点院团、文艺团体、高校等是学校关注的重点。为这些单位输送人才，不仅可以构建学校毕业生高质量的就业通道，而且可以提高学校的品牌竞争力。”该校一位老师说，“不过，在就业情况不乐观的现实面前，引导学生树立正确的就业观也非常重要。除引导学生理智地面对升学和就业外，学院还定期召开专题会议，研究就业形势及进展情况。”另外，学校鼓励大学毕业生通过“大学生志愿服务西部计划”“三支一扶计划”“选聘高校毕业生到村任职”等项目到基层就业。对于就业困难的学生，给予高度的关注和适当的帮助。另悉，中央音乐学院毕业生就业指导中心准备搞一次大学生创业的调研，在近几年的毕业生中挖掘典型的成功事例，为有创业计划的毕业生提供帮助。
谈到清华美院今年的就业政策，学院负责就业工作的学生事务办公室何静主任说，学院主要还是积极宣传和落实国家以及清华大学针对今年的就业形势出台的一系列就业政策，比如，为鼓励学生到西部地区的基层就业，重点介绍学费、国家贷款代偿政策；为鼓动大学生自主创业，着重介绍并请学生关注各省市出台的小额贷款及免息政策；落实清华大学项目研究人员聘用本科以上毕业生政策等。
清华美院为了帮助毕业生拓宽就业思路，让毕业生了解就业形势和就业政策，以系为单位组织召开了10场本科、两场研究生就业讲座交流沟通会，积极鼓励有志于从事行政管理工作的毕业生参加国家倡导的“大学生村官”以及“国家选调生”计划。今年，美院有1名工艺美术专业的毕业生志愿到西藏基层工作，这是学院首位赴西藏工作的选调生。为了鼓励学生到京外高校、特别是西部高校就业，对高校邀请面试并与高校最终签订协议的毕业生，学院予以报销路费；对已与西部高校签约的学生，学院推荐参加清华大学“启航奖励金”的评选，获奖学生还将得到1000至5000元不等的奖励金。
“我们做过几次就业意向调查，学生的就业期望值仍然过高，多数毕业生希望留在北京、进高校或者去上海、广州等较发达的地区。这在一定程度上导致了灵活就业率的比例较高，像绘画、雕塑等纯艺术专业的毕业生，有相当一部分选择自主创业或灵活就业。”何主任说，“对于清华美院的毕业生来讲，目前还不存在找不到工作的情况，虽然今年面临经济危机和严峻的就业形势，但从美院目前的就业情况看，与往年相比并没有感觉到太大的落差”。
抛弃“面子就业”的惯性思维
以往，在大城市读完书，回小城市的老家就业被认为是“无能”“混不开”的表现，许多学生即使非常辛苦地挤在大城市，也不愿回老家。有专家对记者称，这样的“面子就业”还表现在如下几方面：比如，选择好单位的差“差事”。有些学生倾向于选择对亲友讲起来较体面的工作，虽然没有很合适的岗位，但也愿意“屈就”，实际上有些职位并不能有很大发展，也难以发挥专业所长，在工作中觉得“郁闷”的还是自己。
另一种是，当“白领”不当“蓝领”。这些年，报纸、时尚杂志等媒体对“白领”“小资”等的宣传有些太过，大学生还未完全脱去以前“天之骄子”的姿态，总想着毕业就要进写字楼，哪怕拿很少的薪水也要进“空调房”。对于骨子里有些浪漫情结的艺术专业学生来讲，这种情况更为普遍，很少有人愿意让“艺术化”的自己沦为“蓝领”。有位老师给记者讲了一个例子，设计系的一位毕业生在同学们都往广告公司、国企、事业单位钻时，选择了一家规模不大但很有发展前景的私人汽车公司，先是穿蓝色制服在维修部实习，同学问他找到什么工作时，他说是“修汽车”的，但半年后，调到宣传推广部，做些策划工作，收入上了一大截，在同学看来，他还是个做“汽车维修”工作的，但他的薪水却比在一般广告公司的同学多2到3倍。他自己非常满意：“我不在乎穿制服变成‘蓝领’，也不在乎被人说在修汽车的地方工作，我只在乎两点：一是薪水，二是发展前景。汽车行业不论现在还是将来都有很大发展，我看好自己的未来。”
除了上述的“面子就业”外，艺术生就业还存在着“圈子就业”“舒适就业”等问题。专家指出，除了国家相关政策的引导以及学校针对各自不同的情况加大对学生的就业指导外，社会各界都应该营造艺术生就业的良好环境和氛围，使学生和家长能够正视当前的就业形势，也让艺术生的就业选择和规划趋于理性。
发布时间：2009-06-16 10:59 来源： www.ccdy.cn 作者：侯丽
沉雄博大的周顺恺中国画艺术
去年年底和今年年初，“周顺恺中国画展”先后在四川美术馆和重庆中国三峡博物馆展出，观者众多，反响强烈。在四川省美协、重庆市文广局和重庆市文联组织的3场“周顺恺艺术研讨会”上，川渝美术家、美术理论家和专程赴渝的北京、广东、江苏、山西、湖北等地著名画家以及重庆各文艺家协会的专家认为周顺恺中国画艺术主题宏大、思想宏大、气魄宏大，反映了时代的审美，他的作品关注现实、关注人生，具有深刻的人文关怀，尤其是他一系列人物画、历史画作品重意境创造、重人物内心世界的表达，笔墨凝炼、深厚，体现了民族精神和时代正气，在喧嚣纷繁的当今社会和文化快餐时代给人们留下了深刻的文化和历史记忆。
回族画家周顺恺现任重庆画院院长、重庆市美术家协会副主席，是重庆市直辖以来两届学术技术带头人，并列入文化部、财政部国家重大历史题材美术工程创作者名单，被中国美术家协会授予“民族杰出美术家”称号。此次画展展出周顺恺中国画作品共40余幅，其中有在全国美展获奖和中国美术馆收藏的作品《最后的嘱托》、《巴金》、《东渡黄河》，新作《重庆谈判》，以及他和李宝林合作、国家邮政总局发行的“纪念红军长征胜利70周年”纪念邮票——巨幅历史画《大会师》等。本刊选登其代表作及国内美术专家对其作品的评价，以飨读者。
美术界著名专家纵论周顺恺中国画艺术
冯远（中国文联副主席、中国美术家协会副主席）
周顺恺是被列入国家重大历史题材美术工程创作者名单、活跃在当今中国画坛上一位实力强劲的中国画人物画家。从艺近40年来，他自觉承担道义和社会责任，努力弘扬人文精神，不辱艺术家的文化使命，用心、用严谨的造型手段和对人物深度的刻画能力，用凝炼、沉实、遒劲的笔墨技巧，塑造了一个个历史及当代人物的艺术形象。他笔下众多生动鲜活、个性典型、有血有肉的人物形象通过作品在几十次全国性美术展览和学术活动中展示，充分体现了民族精神和时代正气，深刻地描述了社会的形态和人生的状态。
刘文西（中国美术家协会顾问、西安美术学院名誉院长）
创作是艰辛的，坚持现实主义的人物画家更艰辛，当一个好的人物画家，更是千辛万苦。画家只有长期与生活、与人民相处，与人民交朋友，才能够真正懂得为什么要画画，怎样画画。只有把生活和人民放在心中的画家，才能够画出受人们欢迎的作品，周顺恺同志坚持现实主义创作道路，坚持人物画的创造个性，是一位有影响的画家，希望坚持下去，不断创作，不断提高。
王明明（中国美术家协会副主席、北京画院院长）
周顺恺是一位善于思考，有主见，对生活观察细致深入，创作中注入自己的情感，有强烈社会责任感的艺术家，从他的作品中能够发现，他把前辈艺术大师追求的平实、概括、含蓄、厚重、传神继承了下来，在塑造和刻画人物的过程中传达了自己的情思与追求，他的作品是耐人寻味的。
我喜欢看周顺恺的作品，感到亲切，在看似不熟练的技法后面，我看到他的情怀与气度，画外的思考与修养，我想这才是顺恺艺术成功之妙。
李焕民（中国美术家协会顾问、四川省美协名誉主席）
周顺恺的个人画展在成都展出，这是四川美术界的一件盛事。周顺恺不只是在重庆，而且是全国具有实力的现实主义著名画家，他的作品涉及到革命现实当中的许多重大历史题材，从红军会师到重庆谈判，到周总理对邓小平的最后嘱托。他还塑造了众多历史人物，像朱德、鲁迅、徐悲鸿、巴金，看得出周顺恺的思想触角是和我们民族、国家的命运紧紧联系在一起的，他的思想是非常宏大的，我们应该学习他的大气魄。当然周顺恺的创作不完全是他的主题宏大，他在中国绘画传统如何转型到现代，既保持着中国传统绘画的优点又有当今时代的特征这一点上也有很大的贡献。他的绘画不仅反映历史，而且也反映了我们时代的审美，他的展览应该成为一种导向。像周顺恺这样的画家应该大力支持、大力宣传。
李宝林（中国美术家协会中国画艺术委员会副主任、河山画会会长）
周顺恺是一个思考型、创作型画家，善于取人之长，善于概括和总结。他的肖像画创作简练中求丰富，沉稳中求生动，如《巴金》、《鲁迅》、《朱总司令》，还有历史画《最后的嘱托》都在中国美术界得到广泛认可和很大荣誉，是现在中国少有的国画人物画、肖像画、历史画的优秀专家，他力避浮躁，不随波逐流，不为时尚所左右，不为商品大潮所淹没，钟情于重大题材的创作，他潜心研究，全力以赴，这在当今是非常难能可贵的。
马振声（中国美术家协会蒋兆和艺术研究会会长、重庆国画院名誉院长）
周顺恺是一个从大处着眼的人，在作品构思和意境的营造上追求大情感、大境界的表达，对待艺术他全身心投入，高标准、严要求，求索不止。笔墨应该承载更大的精神力度和新的含量。这与“玩家”的笔墨游戏是有本质区别的。在他的笔墨语言里，没有任何油滑习气，一切都是为了表现主题服务。落笔肯定而厚重，含蓄而松动。他努力以提炼概括的笔墨，表现尽量丰富的内涵。
刘曦林（中国美术家协会理论委员会副主任、中国美术馆研究员）
读顺恺君之《巴金》等几幅肖像画，使我联想到“内美”“写心”这些古代美学概念，是因为画家着意之处正是对象之内美，画家所写不唯对象之形，而是对象之心、之内质、之神韵，对于巴金来说，就是人生沧桑的淘洗感悟，就是他所说“生之目的”——“丰富的横溢的生命”。我们在静赏此画时感悟到了巴金的感悟，感悟到了巴金的生命，亦即是感悟到了内美，这是由于画家成功地完成了由形及神及心的塑造。
孙克（中国美术家协会理论委员会委员、中国美术家协会中国画艺委会秘书长）
历史人物画《最后的嘱托》是周顺恺于1999年创作的中国画作品，入选于当年第九届全国美展，并获得“关山月中国画创作奖”。这是20世纪将结束之际，中国画历史人物画创作中很重要也很成功的一件作品。
《最后的嘱托》以现实主义的写实手法形象生动地刻画了周恩来病中清瘦的面容，他的目光与充满关怀的小平做无声的交流。画面上的邓颖超、叶剑英、李先念表情凝重，对他们的刻画表现，加强了画面的真切的历史具体性。
周顺恺艺术功力深厚扎实，在人物画创作中没有避重就轻，相反他敢于涉险犯难，不仅直取这一沉重的历史画面而且运用现实主义的创作方法，概括、具体、真实地刻画了人们熟知的革命领袖们的形象，造型严谨、准确、生动。他充分运用中国画的线条和水墨淡彩的功能，在生宣纸上勾勒形象，特别着重脸部和手部的细腻深入的表现，其他服饰、道具则相对简略，背景空间不着一笔，使主题突出，尽显中国画计白当黑之特长。
冯今松（中国美术家协会中国画艺委会委员、湖北美术院名誉院长）
我国大美学家王国维谓：“大家之作，其言情也，必沁人心脾。其写景也，必豁人目，其词脱口而出，无矫揉妆束之态，以其所见者真，所知者深也。”
今观周顺恺人物画作，有可歌可颂之英雄诗篇，有领袖、智者、学人之造像画卷；有表现乡俗民情之随笔写意。而无不情真意切，无矫饰做作之态，有发人三思之妙。笔墨简约而神形俱显，意趣铺陈而天人和鸣，此者何？大家风采也！
宋玉麟（江苏省美术家协会主席、江苏省国画院院长）
周顺恺是我国当代最具影响力的人物画家之一，数十年来，他自觉地担负起人民艺术家的责任，传神写心，创作了一批思想性和艺术性高度统一的人物画作品。周顺恺注重自身全面素养的修炼，他虚怀若谷，向传统学习，向师友学习，力求中国画笔墨的精益求精。他关注作品意境的创造，其作品中众多的人物形象——质朴、厚重、富有思想深度，给我留下了深刻的印象。
廖静文（徐悲鸿纪念馆馆长、徐悲鸿先生夫人）
周顺恺的作品《大匠诗情》，（徐悲鸿、齐白石）两位人物形神兼备、笔墨优雅、线条流畅、结构准确，表现了两位画家的深沉持重和他们亲密的友谊。人物画是中国画创作的难题，周顺恺能画得如此之好，并且体现了那个时代的特征，实属佳作。
黄宗贤（四川大学艺术学院院长、四川省美术家协会副主席）
周顺恺作品关注现实，具有深切的人文关怀，这是中国当代艺术比较缺乏的。从苏武到杜甫到巴金这一系列人物，再到中国现代史上的重要历史事件，周顺恺都能通过笔墨去塑造。艺术除了抒发个人情怀外，还有一个重要功能就是要留下文化记忆和历史记忆，周顺恺在创作中始终保持着一种历史意识和文化感，这是非常难能可贵的。周顺恺画展作品大尺幅多，小品很少，这表明了他自身的美学趣味，即追求宏大气象，深厚感，从图式的大气到笔墨的沉厚。
唐允明（四川大学艺术学院教授）
看了周顺恺的作品感受很深，现在的美术界变化很大，像周顺恺这样多年来始终坚持现实主义题材的创作，在展览中能够拿出这么多大尺幅的分量十足的人物画作品，非常不容易。现在的四川美术界，很难找到一位画家能拿出这么多数量的人物画作品，很多画家已经向市场屈服，去画一些迎合市场的小情小趣的作品。不是说他们不关注现实主义题材，不进行现实主义题材创作，而是因为无论是从思维模式，还是对现实主义创作方法的把握，乃至具体的表现手法，他们都已经不具备这个能力了。当然这种情况也不是只发生在四川，而是在全国范围内。现实主义题材的创作现在正处于一种慢慢消失的状态，甚至于一些美术院校的教学，在这方面也已经显得非常薄弱了，有的院校甚至可以说是已经消失殆尽了。希望我们的艺术家能想办法改变这一现状。
发布时间：2009-05-14 10:30 来源： www.ccdy.cn
我们的“学院派”设计欠缺什么
----“米兰国际家具展”走笔
每年4月底，作为世界家具与家居设计顶尖展会的“米兰国际家具展”与“米兰设计周”，是全世界家具、家居、建筑、服装、配饰、灯具、设计专业人士“朝圣”的设计圣地。其中，被称为世界家具三大展览之首的“米兰国际家具展”，至今已有48年的历史。今年亮相的“米兰国际家具展”为期6天，仿佛一场华丽的设计之旅，不仅全球著名的家具公司展出了最新产品，众多顶级设计师也携作品在米兰完成处女秀。从某种意义上讲，“米兰国际家具展”还是一个将家具设计和产品投入市场的最有效场所。
追寻意大利家具的脚步
每年的“米兰国际家具展”都会夹杂许多不同主题的展览，不变的是，都有一个与意大利有关的主题，今年的焦点是“华丽与计划”，即以场外文化活动的形式展示意大利家具的历史。
场外文化活动是“米兰国际家具展”延续多年的一大特色。展览超越固有的展馆，通常在米兰最负盛名的历史遗迹举行，是将设计、艺术、时尚、美食等元素大胆结合，发掘其中共有的联系与灵感。“华丽与计划”是Luigi Settembrini策划的一场具有纯正意大利制造、关于现代与古董家具陈设的“文化活动”，在米兰市政厅总部的皇家宫殿举行。重在把现代和古典家具做对比，追溯其族谱，探索意大利制造的源头。
活动的完整名称是“华丽与计划——500年意大利伟大家具并肩同行”。展览空间的安排也完全贴合主题：不同时期的意大利家具将被放置于独立但连续的房间里，观众按顺序前行，一路领略意大利家具设计的风光变化。在最开始的房间里，会出现意大利16世纪末的家具，有选用上等木材制成的橱子，橱子装饰有雕刻波浪形花纹的金属，这是典型的巴洛克风格，在那个时期，木匠和镶嵌匠是最紧密的合作者，雕琢出一件件价值不菲的作品。在接下来的房间里，观众会看到洛可可时期和新古典时期的意大利家具，这些18世纪中叶生产于佛罗伦萨的作品曾是当时皇室的最爱。同时展出的还有帝国时期的家具等。
惊人之作层出不穷
“米兰国际家具展”不仅“贩卖”产品，而且还可以“兜售”设计，不啻是一个全球家具设计者的天堂。
对于那些名声鼎沸的顶级设计师来说，能参加一年一度的“米兰设计周”是莫大的荣幸。这是一个惊人之作层出不穷的地方，或由著名制造商邀请设计师操作，以公司的名义进行展览，或者由设计师自己以某一主题进行创作。比如在今年的米兰设计周上，意大利制造商马吉斯就得到了多位设计师鼎力支持，有多个概念作品展出，包括由日本设计师深泽直人设计的一个尚未被命名的存储系统，有KonstantinGrcic设计的“360°”凳子，以及芬兰艺术家OivaToikka设计的“多多鸟”玩具和“天堂树”衣架等充满童真的作品。法国品牌5.5designers则准备了许多好玩的椅子，有的只有两条腿，有的装了台灯，有的带了鸟笼，非常有趣。
中国原创设计登临国际
“米兰设计周”是“老人”们的天地，新人则可以参加国际青年明日之星沙龙展，它为富有创造力的年轻人才提供展示作品的平台，给予他们为企业服务的良好机会，也是推动设计行业发展的重要催化剂。今年，有来自全世界14个国家、22个学校的200多名官方代表、学生、独立设计师以及设计团队携作品亮相，中国的“学院派”作品也在这里与各国新锐设计师同台竞技。
中央美术学院设计学院第九工作室设计团队这次带着两套以亚克力为材料制成的桌椅家具组合来到米兰。作品分别名为《鱼跃》和《明式新韵》，展品色彩斑斓、材质新颖，兼具了现代感和中国韵味，引得观展人频频流连欣赏。
尽管作品好评如潮，但冷静的设计师们依然进行着严谨的思考。
加强动手能力和团队意识
在这次展览中有很多中国设计师的作品，这些作品在创意设计上也更加丰富、多样化，无论是中国元素、文化精神，还是东方哲学的神秘感都让“老外”特别喜欢，但与国际相比，我们作品的完成度还有待提高。
清华大学美术学院环境艺术设计系副教授刘铁军说，参展时我们展台对面是个英国学校的设计，他们的家具很朴实，带有浓郁的学院派感觉。他们的家具全都是学生亲自动手做的，而我们虽是自己设计，却要拿到家具厂去做，动手能力相对弱了些。
要设计出好的作品，“我们对设计的研究态度和分工协作的团队意识也需要进一步加强。虽然单件作品呈现相对容易，但毕竟单个设计师掌握的技能有限。”参展设计师们表示。
让设计回归自然和生活
米兰归来，参展设计师李永玲告诉记者，除了异常丰富的作品带给人强烈的视觉冲击和头脑风暴外，他们还有一个更深刻的感受：设计应继续回归自然和生活本身。
她表示，国内设计师仍在强调设计的“概念”“元素”，很多设计仅仅是从形式出发，因而少了一些打动人心灵的东西。然而国际上很多成熟的设计是回归自然本色的、天然的、原始的、素雅的，简单的外表之下却又不失时机地流露出文化内涵，这样的作品会越来越受到人们的喜爱。她还认为，国外设计师及其团队严谨的设计态度值得中国设计师去学习。他们不走捷径、不讨巧，一丝不苟地创作、研究工艺，同时坚持自我风格、坚持原创，这一切都源自于设计师那颗热爱生活的、平和的心。
发布时间：2009-05-28 07:30 来源： www.ccdy.cn 作者：中国文化报综合报道
科学发展观理论体系中的文艺思想
王歌风
文艺思想是科学发展观理论体系的一个重要组成部分，衍生了党领导文艺工作的路线、方针、政策，是实现社会主义文艺大发展大繁荣的根本保证，是每一个艺术从业人员必须理解和掌握的指导思想。
科学发展观理论体系中的文艺思想，由马列文论、毛泽东文艺思想、邓小平文艺理论、“三个代表”文艺思想发展而来。其经典表述是：“面向现代化、面向世界、面向未来的、民族的、科学的、大众的社会主义文艺”。基本内容有如下11个方面。
一、文艺在提高综合国力方面的作用越来越突出
胡锦涛指出，社会发展到目前阶段，文化越来越成为民族凝聚力和创造力的重要源泉，越来越成为综合国力竞争的重要因素，丰富精神文化生活越来越成为我国人民的热切愿望。找准我国文化发展的方位，创造民族文化的新辉煌，增强我国文化的国际竞争力，提升国家软实力，是促进中华民族伟大复兴的战略决策。党中央以史无前例的姿态重视与支持文艺事业。党的十六届四中全会把发展社会主义先进文化作为“四大建设”的战略布局之一，把“发展社会主义先进文化的能力”列入《中共中央关于加强党的执政能力建设的决定》。十六届六中全会提出了建设“和谐文化”、“和谐社会”的重大命题。十七大号召“推动社会主义文化的大发展大繁荣”，提高国家文化软实力，使人民基本文化权益得到更好保障，使社会主义文化生活更加丰富多彩，使人民精神风貌更加昂扬向上。
二、以马克思主义中国化的最新成果作为惟一指导思想，始终坚持文艺发展的正确方向
在文艺事业中坚持马克思主义的指导地位，是永远不能动摇的根本原则，有利于保障中国文化的发展方向，有利于消解多元文化发展带来的消极影响，使中国文化免受外来文化的干扰、控制和同化，保持中国文化的民族性和自主性，保证国家的文化安全。同时也是社会主义文艺事业自身发展繁荣的需要。
马克思主义中国化的最新成果，是社会主义核心价值体系。具体内容包括：马克思主义指导思想；中国特色社会主义共同理想；以爱国主义为核心的民族精神和以改革创新为核心的时代精神；社会主义荣辱观。
用社会主义核心价值体系统领一切艺术活动，用艺术的手段和优势巩固马克思主义指导地位，要正确处理“一元指导”与“包容多样”的关系，“包容多样”的前提必须是“一元指导”，如果离开了“一元指导”，“包容多样”就会带来指导思想的多元化，就难以实现多元文化背景之下的文化和谐。
三、以人为本，以最广大人民大众为服务对象和表现主体，最大限度地满足他们日益增长的物质文化需求和审美需要
科学发展观的核心是以人为本。这是对“二为”方向、“三个代表”的重大发展。以人为本的“人”，是指以工农兵、知识分子为主体的、包括社会各阶层和海内外一切热爱祖国、维护祖国统一、独立和富强的最广大的人民群众，这是文艺的服务对象和表现主体；以人为本的“本”，就是以最广大人民群众的生命和根本利益为本，最大限度地满足他们日益增长的物质文化需求和审美需要。胡锦涛指出：“真情热爱人民、真正了解人民、真诚理解人民，才能创作出深受人民欢迎、对人民有深刻影响的优秀作品。……关注人民命运，赞颂人民奋斗，激励人民前进，是我国进步文艺的优秀传统，必须始终坚持和大力发扬。文艺家一旦忘记、脱离或背叛了这个生命之根和本，他的艺术生命也就完结了。”
四、创新文艺体制机制，解放和发展文艺生产力
在新文艺体制中，“文化产业”是一个关键词，是一个新生长点。党和政府采取强力措施，大力发展经营性文化产业。（1）国家实施重大文化产业项目带动战略，加快建设文化产业基地和区域性特色文化产业群，培养文化产业骨干企业和战略投资者，繁荣文化市场。（2）加快结构调整，重塑文化市场主体，努力形成以公有制为主体、多种所有制共同发展的文化产业格局；在政府宏观调控下充分发挥市场对文化资源配置的基础性作用，优化文化产业结构；促进城乡、区域文化协调发展。（3）培育现代文艺市场体系。加强文化产品市场、文化生产要素市场建设；发展现代流通组织和流通方式；建立健全市场行业组织。
根据“两手抓，两加强”原则，党和政府把公益性文化事业作为保障人民基本文化权益、维护社会公平的主要途径，下大力气给予完善扶持。公益性文化事业单位通过改革，建立高效有序的运营机制和竞争激励机制，提高公共文化服务能力和水平。经营性文化事业单位转企改制，建立现代企业制度。落实和完善文艺经济政策，健全文艺法制。
五、在对外开放交流的环境中发展和繁荣社会主义文艺
以胡锦涛为总书记的党中央，奉行改革开放国策不动摇，着眼于世界科学文化发展的前沿，积极实施文化“走出去”战略，实施中华文化传播工程，更加重视充分利用对外开放的条件发展我国文艺。对外文化交流日益活跃，持续向广度和纵深发展。文化领域双边往来层次不断提高，多边交流主动性、主导性逐步增强，重大文化交流活动影响深远，更好地向世界展示了中华文化。我国作为亚洲国际文化活动中心的地位逐步确立，海外中国文化中心建设取得了历史性突破，中华文化的国际影响力和竞争力进一步增强。立足自我、博采众长，推进了我国文艺形式、风格、流派的充分发展，实现体裁、题材、主题的极大丰富。
六、推进文艺发展，基础在继承，关键在创新
关于文艺继承与创新的辩证关系，胡锦涛阐发的最为精辟，有新的高度。他说：“推进文化发展，基础在继承，关键在创新。……不善于继承，没有创新的基础；不善于创新，缺乏继承的活力。在继承基础上的创新，往往是最好的继承”。要通过继承创新，弘扬民族优秀文化，着力创造民族文化优秀品牌。继承什么？一是中华民族的优秀文艺传统，二是“五四”运动以来形成的革命文艺传统。怎么继承？就是要在全面认识祖国传统文化艺术的基础上，取其精华，去其糟粕，使之与当代社会相适应、与现代文明相协调，保持民族性，体现时代性。怎么推进文艺创新？（1）大力推进文艺理论及观念的创新。（2）大力推进文化体制机制创新。（3）大力推进文艺题材、体裁的充分发展，不断丰富创作内容，不断创新表现形式。（4）运用高新技术创新文艺生产方式，催生新的文艺品种，培育新的文艺业态，加快构建传输快捷、覆盖广泛的文艺传播体系。（5）发展新兴文化产业，形成一批具有自主知识产权的文化品牌。
七、用社会建设的成果保障“百花齐放、百家争鸣”方针的完美实现，促进文艺大繁荣
以胡锦涛为总书记的党中央，用和谐社会建设的理论与实践，使“百花齐放、百家争鸣”方针得到有史以来最完美的实现。胡锦涛这样描述和谐社会的特征：“民主法制，就是社会主义民主得到充分发扬，依法治国基本方略得到切实落实，各方面积极因素得到广泛调动；公平正义，就是社会各方面的利益关系得到妥善协调，人民内部矛盾得到正确处理，社会公平和正义得到切实维护和实现；……充满活力，就是能够使一切有利于社会进步的创造愿望得到尊重，创造活动得到支持，创造才能得到发挥，创造成果得到肯定”。——这不就是“双百”方针得以实现的最理想的社会环境吗？注重社会建设，是中国特色社会主义理论体系的重要发展。在党和政府的积极倡导下，尊重差异，包容多样的理念逐渐蔚然成风，文艺工作者的创造精神和创造活力竞相迸发、充分涌流。
八、从人民群众的伟大实践中汲取营养，是社会主义文艺兴旺发达的根本道路
在文艺创作的源泉问题上，胡锦涛继承了《在延安文艺座谈会上的讲话》以来的光荣传统，响亮地喊出了著名的“贴近实际、贴近生活、贴近群众”原则，为新时期的广大文艺家确立了正确的创作导向和工作导向，指明了多出优秀作品、多出优秀人才、文艺事业兴旺发达的根本道路。贴近就是既要“身入”又要“心入”。“三贴近”的实质，就是深入今天中华民族为全面建设小康社会、实现民族伟大复兴而奋斗的伟大实践，自觉地在人民的生活中汲取题材、主题、情节、语言、诗情和画意，用人民创造历史的奋发精神来哺育自己。近年来党和政府加大投入，建立和完善有利于落实“三贴近”原则的体制机制、政策措施，使遵循“三贴近”原则成为广大文学艺术工作者的自觉追求。
九、只有经受住人民群众检验、又给予人民群众美的享受和深刻启迪的作品，才能成为隽永之作
2006年，胡锦涛在第八次文代会上将当代文艺批评标准明确为：“只有经受住人民群众检验、又给予人民群众美的享受和深刻启迪的作品，才能成为隽永之作”。这是一个着眼于艺术接受主体的标准,是“以人为本”核心理念的体现。文艺家几乎没有不以为自己的作品是美的，但时间和观众是最权威的鉴定家。只有坚信这一点，艺术家才能真正有所成就。当然，人民群众的审美情趣是多样的，但绝大多数观众还是喜欢这样的艺术精品：（1）作品创造了一个典型形象。其思想内涵精深，对人类生活的重大课题富有启发性和教育性，推动了人类认识和思维的发展，具有很强的认识、教育、审美价值，有“灵魂工程师”的意义；其表现技巧精湛，视觉形象精美；这二者实现了完美的统一，因而使作品意味深长，美丽动人，具有很强的观赏性和艺术魅力，强烈地吸引人、打动人、感染人。（2）作品是通俗的，深受大众欢迎，且极具审美的“空筐效应”，能以不同理解层次去看，永远不会被装满、被穷尽，不会因时空和意识形态的变迁而过时，可以得到一代代观众的青睐，具有强大的生命力，汇集了数量最多的接受者，也因此收获了很好的经济效益。（3）作品是“形象化的历史”，是一个民族、一个时代精神风貌的集中体现，具有文献、史诗价值；是开范发例之作，在艺术发展史上具有里程碑的意义。
十、建设“德艺双馨”的文艺家队伍
科学发展观在继承发扬“人类灵魂工程师”（邓小平）、“艺术精湛，富有创造才华”（江泽民）人才思想的基础上，将“德艺双馨”这样一个综合性、很全面、很高的要求作为人才标准，采取强有力措施，推进文艺家队伍建设。（1）探索适合文艺行业特点的人才资格考试、考核评价方法，逐步建立文艺专业人才社会化评价体系。（2）形成比较完善的人才选拔、引进、考核、激励、流动机制。（3）建立国家文艺领域授予荣誉称号的制度。（4）注重培养懂艺术、善经营、会管理的复合型人才。（5）制定长远规划，加强对后备文艺人才的培训教育。
十一、不断改革和完善党领导文艺事业的方式与水平
党对文艺事业的科学领导，不是发号施令、横加干涉，不是要求文学艺术从属于临时的、具体的、直接的政治任务，而是根据文学艺术的特征和发展规律，帮助文艺工作者获得条件来不断繁荣文学艺术事业，提高文学艺术水平。党中央创造性地回答了“建设什么样的党，怎样建设党”、“实现什么样的发展，怎样发展”的重大时代课题，深化了对社会主义文艺事业发展规律的认识，以全面协调可持续的“大繁荣大发展”为目的，高举“以人为本”旗帜，以统筹兼顾为根本方法，对文艺的发展目标、发展方向、发展思路、发展途径、发展动力、发展格局等进行了全面阐述，有许多重大发展，为文艺战线带来革命性的变化，也使党的工作充满活力。
综上所述，科学发展观理论体系中的文艺思想的最主要特点，是改革开放、建设创新。它以繁荣为中心，以发展为主题，以改革为动力，重在建设，以立为本。文艺观念自此大变，不再是僵化封闭，不再是破除、斗争，也不再是循规蹈矩，而是锐意探索、进取开拓，以开阔的心态，吸纳一切有益资源，致力于建设一个开放的、与时俱进的动态系统。
2009,4,17
探索特色本科教育新思路
染夕
专业的摄影棚里，一位男模特穿着笔挺的西装走上舞台，现场的背景灯、主光灯、辅助灯同时亮了起来，男模特频频摆着POSE，台下镁光灯闪烁，谋杀无数菲林……没看错，这正是上海建桥学院大二“摄影美学课”的课堂。台上站着的男模特是2007级新闻本科一班学生张高峰，台下的“记者”们则是班里的另外44名同学。
“我喜欢这样的上课方式，近距离实践了新闻摄影的技能，比单纯的上理论课有意思多了。”2007级新闻专业学生丁荣说。
从2006年第一批招收本科专业开始，到今年已是上海建桥学院升格为本科院校后的第三年。上海建桥学院提出了“培养应用型高等专门人才”的本科人才定位，以培养基本技能为基础，以提高专业能力为主线，以形成专业综合能力为宗旨，逐步探索着一条特色本科教育的新思路。
教学模式：精雕细琢综合能力
建桥学院的喷水池旁，一场由学生自行设计展示的“服装SHOW”吸引了众多观众。废弃的综合材料经过巧妙“包装”，穿在模特身上竟演变出了以“森林”为主题的精彩服饰。这原来是2007级艺术系视觉传达专业《创意设计基础》的课堂，穿在模特身上的是学生们的“课堂作业”。
上海建桥学院的教学模式里，常常充满着这样的“惊喜”。“高等院校应有很多类型，我们学校定位于应用型本科，因此在教学模式上，我们强调以本科为基础，学科基础一定要达到教育部门的要求，这是必须的，剩下的更多时间，我们全留给实践，让学生加强动手能力。”上海建桥学院副校长张家钰开门见山地说出了学院的教学定位。
为此，建桥学院的老师们精雕细琢教学模式，摸索一套属于建桥的本科特色教学，让学生在学习中实践，在实践中巩固知识。“我的课程就是将‘美学课由过去的单纯技术传授，扩展到以创新为核心，打造成提升学生艺术设计综合能力的平台。”《创意设计基础》负责人
“除了丰富课堂内容，我们还建设了一个强大的‘实践教学管理中心’，把每门课程与综合实验结合在一起。”张家钰告诉笔者，每年学校都会投入800万左右的资金建设实践中心。学生每个学期都会有两周的“实训课”，进入“实践教学管理中心”做课题，锻炼综合能力。如今，几乎每个专业都拥有自己的“小基地”，宝石及材料工艺学专业有“宝石制作加工厂”，环艺专业有木工房，机械制造专业的老师还自行设计制造了4套液压系统，让学生新手更方便地检验自己的设计是否正确……理论与实践紧密结合的教学模式，使得学生学得更快学得更精。
课程设置：校企合作贴合实际
除了课堂上的操作，从“专科”起家的上海建桥学院将“校企结合”的运作模式同样转移到本科上来，针对“应用型专业高等人才”这个定位“狠狠下手”。
从2006年第一批招生的本科旅游管理专业就是一个例子。学校为其精心打造了“3＋1”的校企结合培训模式，在学习了3年的学校理论以及接受了每学期的实训之后，第四年，所有学生将进入全市各大旅行社、四、五星级宾馆进行实习，这对学生毕业后寻找工作和岗位“上手”都是非常有帮助的。
“校企结合的模式对各个专业也不尽相同。”张家钰告诉笔者，就比如2007年起招生的微电子学专业，它的培养方案就是学校与企业共同完成的。建桥学院与上海复兴微电子技术咨询有限公司等沪上十几家企业建立了产学合作联系，并成立了专业的指导委员会。所以，微电子专业的课程分为两部分，基础课程由学校老
“我们还会将毕业实习分成几个阶段实施。”张家钰说，有的学校让学生去实习，放出去了就什么都不管，而建桥已开始着手建立一定的机制，从进岗实习到本科毕业论文，完成一项做一项评分，确保学生走出去能学到东西。
“目前，我们学校已与浦东软件园、正大集团、复兴微电子、南汇电视台、上海教育电视台、中船三井等一百多家企业有紧密合作，学生最后的半年至一年去这些企业实习，对学生的动手能力提高有很大帮助。”上海建桥学院校长黄清云说。
教学质量：老师学生双重监督
“从专科转向本科，建桥学院的师资力量会发生什么变化？”
“其实建桥最无需担心的就是师资力量。”当笔者向黄清云校长问及这个问题时，黄校长愉快地表示，建桥的许多老师都是从复旦、交大、同济、华师大等本科大学而来的，长期致力于本科学院任教工作，原本本科教专科，还担心学生无法适应，现在恢复了本科反而更加熟悉。
“但是，我们也建立了督导系统，形成了期初、期中、期末三级教学监督体制，由资深教授对整个教学过程实施监控，如在期末对试卷调查、对出题范围进行考核是否达到标准，这个督导系统效果良好。”黄清云举例说，按规定，上海新升本院校在一年级上学期都要进行高等数学的统考，以检查教学质量，2007建桥学院管理类在全上海十几所院校的统一测试中拿到了第一名，工科类拿到了第三名；建桥的本科外语统考，专业外语4级的通过率达到78%，这些都是教学质量的表现。
在建桥，还有一条“监督体系”，掌握在学生手中。计算机科学与技术专业一年级的学生在上计算机网络原理时发现教材使用不多，老师用PPT讲解补充了很多新的内容，但来不及记录，于是“一纸诉讼”提交上去，下一堂课，老师明显放慢了速度，并注重与学生互动，学生“监督系统”得到了有效的执行，听课效率更高了。
从2008年3月开始，建桥学院建立了学生教学信息员制度。一年来，学校先后选聘150名学生担任教学信息员，他们为学校教学管理部门共提交了500多份纸质和电子信息反馈表，切实提高了教学质量。
副校长张家钰告诉笔者，他曾经收到过一个旅游管理专业学生的意见，认为建桥学生并非都是二本中成绩比较低的学生，还有些人是因为高考失误而不幸落榜，这部分学生希望有更多提升空间。“我看到以后其实很震动，因为我们没有考虑过以这位同学为代表的一个学生群体，如何对他们更好的因材施教？最后，我们成立了科技项目资助，由老师带领这批同学做项目，以提升他们的研究能力，并且我们还将准备出台关于优秀学生的培养制度，为他们提供更多的教学资源帮助。”
人文培养：育人为本德育为先
5·12汶川大地震，牵动着所有人的心，建桥学院的同学们自发地组织起捐款。2006级计算机科学技术二班的江晨一口气把两年间所有的积蓄共计2500元全都捐了出来；2006级国贸专业班长杨明武来自湖南农村，一直靠贷款维持学业的他主动拿出50元捐向灾区；一位正在重庆的学生在听到了这个消息后，立刻赶往灾区，奋斗在抗震抢险的志愿第一线……
“除了专业知识，动手能力，我们的培养还表现在教会学生如何做人，这是最重要也最不可忽视的一环。”黄清云说。
为此，上海建桥学院举办了很多活动，2007年5月接着申奥成功组织学生亲临现场观看奥运升火接力活动；2008年3月举行无偿鲜血活动，共有318名学生踊跃献血；2008年5月全体师生为汶川地震灾区人民捐款达33万余元；2008年建桥学院志愿去西部的学生占到全市报名人数的30%；2009年3月举办了弘扬雷锋精神诗歌朗诵会，并表彰了一批具有雷锋精神的优秀学生；2009年3月—4月全校开展了“深入学习实践科学发展观”的学实活动……一次又一次的活动，潜移默化地夯实了学生的人文素养。
育人为本，德育为先的人文培养，成为建桥学院探索特色本科教育的又一大亮点。
2009-04-29 作者：染夕 来源：文汇报
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融会、通达的境界
----刘大为的中国画创作
邵大箴
刘大为是当代中国画界很有成就和影响力的艺术家。早在上世纪70年代前半期，他的作品就入选当时的全国美展。上世纪80年代，他的工笔重彩和速写受到人们的关注。而在上世纪80年代末90年代初，他以《漠上》、《阳光下》、《马背上的民族》、《晚风》等杰出作品在全国性展事上屡屡得奖而获得广泛声誉。自1998年至2007年，他任职中国美术家协会常务副主席，主持全国美协的日常工作，但他并未因肩负重任而放弃自己的艺术追求。在繁忙的行政工作之余，他不但一直坚持艺术创作，而且接受了许多严肃的主题性创作任务，不断有新作问世。同时，他努力提高自己的艺术修养，开阔视野，锤炼和完善艺术语言，追求创新。他的个性风格，也越来越鲜明、成熟。
我之所以用融会、通达这四个字来概括刘大为营造的艺术境界，是出于我对他为人处事的观察与了解，更是由于他20多年来不同类型作品给我留下的印象。融会，即融合之意，他的中国画作品立足传统、融合中西、熔工笔与写意技巧于一炉，自成一格；通达，即明白、顺畅之意，他的中国画作品，寓深刻之含意于通晓、明白的语言之中，兼有雅境和俗趣，可谓雅俗共赏。
刘大为出生于山东诸诚，自幼受齐鲁文化和民间艺术熏陶，祖父古典诗文的修养与祖母的民间手工技巧，是他最初受到的审美教育，促使他幼年爱慕文艺。少年时，刘大为跟随父亲支边内蒙古，定居包头。蒙族豪迈粗犷的性格和大草原茫茫景色与其在故乡的感受形成鲜明的反差。中原文化的儒雅与草原文化的雄健，滋养了他的心灵，培育了他的性情，对其成长和未来的审美取向产生了不可忽视的影响。1968年，他进入内蒙古师范学院美术系，接受中西融合型教育。毕业后，先分配到工厂接受“再教育”，后调入《包头日报》任美术编辑。他一面仰望精英文化和艺术，研习古今中外经典，磨练自己的技巧，收集素材，进行艺术创作；一面又饶有兴味地做群众性的美术创作：为报刊画插图，为大众创作连环画，既练就了他用艺术适应社会不同需求的本领，也锻炼他能上能下能文能武“随和”的性格特征。在大学期间他主修油画、水彩、水粉等西画门类，对工笔重彩、水墨等民族绘画样式也有所研习。他通过艰苦、系统的学习掌握了坚实的造型基础，又有很好的笔墨功夫训练。“文革”后不久，他沐浴着改革开放的春风，于1978年以优秀成绩考入中央美术学院中国画系研究生班，受教于叶浅予、蒋兆和、吴作人、李可染、刘凌沧等大师，在此期间严格而深入地学习传统技法，研究古代画论和美学思想，名师高徒受益匪浅，对中国画传统的认识更上一层楼。毕业后任职解放军艺术学院美术系，1987年任该系的系主任。他边教学边创作，结合教学与创作思考当前中国画创作面临的许多课题。
西画的素描写实造型和民族传统的线描造型之间的矛盾，是从事中国画创作的前辈艺术家们一直探讨的学术问题，也是刘大为这一代人要继续处理的难题。刘大为在实践中不断探索，不断有新的体会。综观他的创作历程，可以清晰地看到，他坚持融合中西、推进中国人物画革新的方针。他的人物画重视写实造型，巧妙地将西画素描结构与白描的平面性融为一体，同时恰当地运用西画的光影和色彩，以加强、丰富中国画的表现力。刘大为是一位非常勤奋好学的画家，除了传统人物画外，他对20世纪北派（以北京画家为主）、南派（新浙派和海上画派）的人物画，都有很认真的钻研。他研究美术史，关注中外油画人物画的创造成果，对色彩绚丽的壁画也颇感兴趣。通过在中亚一些国家的访问与参观，他对古代丝绸之路东西文化的交流融合，有较为深切的认识，这也坚定了他在创作中融合中西的信念。
20世纪以来，特别是新中国成立以后，中国画人物画的题材内容具有明显的意识形态，主要是表现革命领袖活动和工农兵的生活，在形象塑造上取得了不可抹煞的成绩。刘大为的人物画继承和发扬了这一优秀传统，这可见于他的扛鼎之作《晚风》与《人民公仆·刘少奇》等。与前辈艺术家表现领袖的人物画不同的是，刘大为的这些作品更多地注意领袖人物的平民特点，在他们平民化的面貌中，表现他们宽广的胸怀和不凡的气质。此外，刘大为在创作这些有严肃主题内容作品的同时，也创作了许多描绘少数民族人物风情的作品，如《马背上的民族》、《巴扎归来》、《雪线》等。由于他长期生活在内蒙古，又有在新疆、西藏、甘肃等地的生活体验，积累了大量写生稿，创作时成竹在胸，信手写来，画面生动活泼，趣味盎然。他还有不少小品题材的作品，都具有充实的文化含量和装饰效果。
刘大为擅长工笔，他在工笔画上所做的创新在于：大胆地把西画的造型、结构、光影和色彩运用到其中，以加强体积感和形式上的艺术感染力。他承继了传统工笔画的工整制作传统，更注意在工整的描写中表现自己的感情，注意画面的格调和趣味。他着眼于绘画语言的现代感，重视形体的充实和结构的严谨，重视画面的构成意味和整体效果。刘大为深知工笔重彩语言用之不当则失之于繁琐、呆板和拘谨，所以他努力在工笔中融进更多的写意因素，在不放松细节精微刻画的同时，更注意画面的大效果，使细节服从他营造的境界。在敷色上他颇讲究温和、含蓄和沉着。他用传统绘画的高染法，在渲染中追求色调的统一和层次的丰富，讲究虚实转换的节奏。这方面的得意之作如《漠上》。刘大为同时对写意水墨颇有造诣，这对于工笔画家来说是很难得的。由于他的速写能力很强，又深谙笔性墨性，善于灵巧、机智地点擦皴染，挥洒自如。他的写意水墨人物和动物颇有生活气息。刘大为能打通工写之间的壁垒，从另一个侧面反映出他的性格和艺术修养融通的特点。
刘大为在长期担任中国人民解放军艺术学院美术系和中国美术家协会工作中所表现出来的开拓精神，也与他有开阔的心胸和务实的精神有关。他能团结各种不同意见的艺术家和同事一起共事，使学院的教学工作和协会的工作充满勃勃生机，开创了一个新局面。
刘大为是幸运者，改革开放的时代给他创造了充分发挥才智的机会，他也以满怀感激的心情感受时代的气息与脉搏，用自己辛勤的劳动和心血回报时代、回报大众。这位懂得生活艰辛与艺术甘苦、有社会责任感和历史使命感的艺术家，正处于创作旺盛期，他未来更出色的艺术成果，是我们期待的。
科研创新的16条方法
■徐光宪
●知识创新都有前因后果，来龙去脉。故而勤奋学习，建立知识框架，积累深厚基础；加上追根到底，万事逼问为什么的好奇心，就是创新的源泉。前者是学，后者是问。学而不问则殆，问而不学则茫。学而问，问而思，思而行，行而果，这就是创新。
●如果你梦想要做一个科学家，那么勤奋学习就是实现你的梦想之“舟”。但舟有快如宇航飞机，慢如蜗牛。所以勤奋必须是高效率的勤奋，不要去做“磨擦生热”的“无用功”，更不要做“负功”。
●在科学研究中常常会遇到“山穷水尽疑无路”时，粗心大意的人很容易放过这种机遇。只有具有敏锐眼光和扎实基础的科学家才能抓住它，取得重大的突破。
●实际的学科基础是金字塔，有比较广的知识，但是又要有塔尖，有高度，也就是你的专业知识高度。但是一条竹竿是站不直的，所以你除了“高”，还要有一些“宽”。
多年以来，我一直在实践中探索科研如何创新的方法，总结了16条。我可以告诉大家，我的天赋很平常，但“天道酬勤”，只要依靠勤奋，是可以取得科学成就的。大发明家爱迪生说：天才=98%的汗水＋2%的灵感。而2%的灵感也可用勤奋来培养。各位同学只要勤奋努力，相信都能成为出色的科学家。
1 创新与知识积累：中药铺的抽屉和知识框架
创新必须先有知识积累，这是创新和继承的关系。我幼年时常生病，生了病去看中医，到中药铺去抓药，看到中药分类归档，放在上百个抽屉里。从那时起就模糊认识到要把学到的东西放在脑中的抽屉里，并把众多抽屉有序排列，才能记住。以后就慢慢形成要在自已的头脑里建立知识框架的概念。知识框架即知识文档树，建立知识文档树便于知识存贮检索、记忆、联系比较、分析归纳和创新。
2 创新链和创新树
科学研究是接力赛跑，起跑点要在科学研究的前沿，要把前人的有关知识接过来。研究生的导师很重要，他把接力赛跑的棒交给你，你就可以在科学研究的前沿起跑。牛顿说：“我是站在巨人的肩膀上，所以能看得远一些”。这是创新和继承的关系。
科学研究既然是接力赛跑，所以每一项科学创新都有前因后果。把这些前因后果串联起来，就构成一条“创新链”。创新链常有分支，于是构成“创新树”。建立创新树的方法，可以启发你的创新灵感,活跃你的创新思维，特别是在分枝点上，可以思考一下：还有什么新路可走？
3 分类研究法
“分类法”是一种重要的科学方法。科学(Science)原来的含义就是分科之学。例（1）动植物的宏观分类法——门，纲，目，类，科，亚科等。例（2）生物的微观分类法——基因分类法。例（3）萃取机理的分类。例（4）经济模式的分类——自由资本主义经济（如美国），欧洲资本主义经济，中国特色社会主义市场经济等。
世界上的事物是非常复杂的巨系统，要探索这个巨系统，先要把它进行分类，才能找到其中的规律。现代科学发展的大趋势之一，是学科越分越细。例如1900年是500门学科，2000年是5000门。100年增加10倍。2100年可能到50000门，2050年到20000门，50年中创建15000门新学科，我们中国人至少创建3000门。你们要有创建3000门新学科的雄心壮志。
4 学科交叉法
学科交叉法就是在不同的学科之间，进行“比较”、“类比”和“移植”的研究方法，从而产生新的研究领域或新的学科。
“比较法”是具有悠久历史的传统方法，也是科学研究中的重要逻辑方法。在语言学的研究中有一分支，叫做“比较语言学”，就是用比较的方法来研究两种或多种语言的异同。在生物学中有“比较生物学”。学科交叉的无人区是创新的生长点。
在比较语言学中，可以互相取长补短，促进本门语言学的发展。例如英文的Crisis，中文是“危机”。危机有危险和机遇两层意思。处理得当可以把危险化为机遇，而Crisis只有危险的意思。中文有“做学问”一词，通常翻译为Learning，但后者只有学习的意思，没有问的含义。做学问要既学又问，学而不问则殆，问而不学则茫。
5 移花接木法
“移花可以接木，杂交可以创新”，这是科学创新的“移植法”。科学可按照它的研究对象由简单到复杂的程度分为上、中、下游。数学、物理学是上游，化学是中游，生物、医学、社会科学等是下游。上游科学研究的对象比较简单，但研究的深度很深。下游科学的研究对象比较复杂，除了用本门科学的方法以外，如果借用上游科学的理论和方法，往往可收事半功倍之效。所以“移上游科学之花，可以接下游科学之木”。
例（1）量子化学是把量子力学的理论和数学方法移植到化学中来，因而产生的交叉学科。美国理论物理学家科恩和英国数学家波普尔，把量子力学的理论和计算数学的方法移到化学中来，解决了量子化学中的计算难题，因而获得1998年诺贝尔化学奖。
例（2）把数学方法移植到经济学中来，可以实现经济学的突破。1994年的诺贝尔经济奖授予纳什，他把数学中概率论之花，移到经济学中来，提出预测宏观经济发展趋势的“博弈论”。
例（3）移花接木创新法的另一例子是仿生学。例如第一架飞机就是模仿蜻蜓制造出来的。流线型的喷气飞机和高速火车的造型是模仿鱼类的，特别是海豚的皮肤表面有一种可吸收能量的弹性结构，借以消除流体的阻力，使湍流变为平流。
例（4）生物学与化学的交叉产生生物化学、分子生物学、生物物理学、结构生物学等。现在后基因组时代已经到来，生物学与化学之间又有一个新的交叉学科——蛋白质组学已经形成。
6 四两拨千斤法
中国有句成语，叫做“四两拨千斤”，这就是“力的放大”。例如杠杆、齿轮、千斤顶等，在搬运东西和机械工程中被广泛使用。在科学研究中，我们要把一种已知的方法尽量推广拓展到未知的领域，这就是“创新”。
例（1）三极管的发明可以实现电流的放大，上世纪三十和四十年代，是电子管的鼎盛时期，它曾为无线电、雷达、电子计算机和V型导弹的发明作出了贡献。1948年发明了晶体管，同样可以放大电流，但体积、重量、耗电量均比电子管减少100-1000倍。1959年又发明集成电路，从而产生了微电子学和微电子工业，导致20世纪的信息革命。
例（2）激光器的发明。电流的放大产生了如此重大的影响，于是人们联想到光是不是也能放大呢？1954年汤斯首先实现了微波的受激辐射放大。1960年从事红宝石微波量子放大器研究的年轻人梅曼成功地研制出第一台红宝石激光器，实现了光波的受激辐射放大。
例（3）化学合成的自动组装放大，例如用K.Ziegler和G.Natta催化剂，可使单体自动定向聚合为高分子。又如自组装化学，也是化学发展的方向之一。
例（4）生命的放大——从卵细胞到生命的发育成长，发展成为现代的克隆技术。
7 逆向思维法
在飞机的设计中，要试验飞机的外型和材料在高速飞行中与空气阻力的关系。这种试验很难在空中飞行时进行。于是创造出“风筒”来模拟飞行。这是一种“反其道而行之”的逆向思维方法，即把飞机固定，让高速空气流向飞机，其效果是一样的。这就是在空气动力学和航空技术研究中常用的“风洞”实验室方法。又如在轮船的设计中，可以做一个缩小的模型，放在一个缩小的水槽中，用各种流速来试验船体的阻力。
8 柳暗花明法
在科学研究中常常会遇到“山穷水尽疑无路”时，粗心大意的人很容易放过这种机遇。只有具有敏锐眼光和扎实基础的科学家才能抓住它，取得重大的突破。
例（1）按照经典遗传学的观点，水稻是自花授粉，不能杂交的，“杂交水稻之父”袁隆平也相信这一点。上世纪60年代初，他在田间发现一株优势非常强的水稻，第二年他把它种下去，结果大失所望，跟上年选的植株完全不同，高的高，矮的矮，生长期长的长，短的短。就在失望之余，他突然产生了震撼：为什么遗传会有这样大的分离呢？只有杂种才会有分离，纯种不会有分离。他于是大胆提出假设：他选的这株是天然杂交稻，推翻了经典遗传学认为水稻不能杂交的结论。当然这只是大胆的初步假设，还有待做艰苦的研究工作，培养出人工杂交水稻来证实。为避免自花授粉，他选择雄性不育植株来受粉，取得了很大成功，使我国水稻由亩产300公斤提高到500公斤。
例（2）光的本质是什么？是波动还是微粒？这个问题争执了200多年，互有胜负，不得解决，在20世纪初到了“山穷水尽疑无路”的地步。这是因为人们的思想受形式逻辑的限制，形式逻辑回答问题，非此即彼，非彼即此。爱因斯坦跳出了形式逻辑的框框，认为问题的答案可以“亦此亦彼”，于是“柳暗花明又一村”，达到了完美的创新境界。这就是他在1905年提出的光子学说。
9 天上人间法
有些物质是天文学家在天上先发现，然后由化学家把天上之花，移植到地球人间的。
例（1）1868年天文学家在观察日全蚀时，从日珥的光谱中发现一种未
知原子的谱线，命名这一未知元素为“太阳元素(Helium)”。28年后，化学家才从地球大气中把He元素气体分离出来。
例（2）天文学家用射电天文望远镜研究分子的转动光谱，发现了几十种星际分子，有一类是直线形的HCiN分子。化学家Smally想象宇宙中有闪电C C C C;C，空气中有氮气和氢气，企图用激光或电弧作用于石墨，在地球上来制备这类化合物，却意外地得到C-60，并获得诺贝尔奖。但这类HCiN分子，至今在地球上尚未合成。
10 傻瓜提问法
创新的第一步是“提出问题”。年轻人好奇提问往往是创新的开端。好奇性是科学发展的重要动力之一，所以“好奇性”也是科学家应具备的素质之一。
例（1）三角形的内角之和一定要等于180度吗？
其实，三角形的内角之和等于180度是平面上的几何学，即欧几里德几何学。人们发现用平面几何学经行大地测量，在范围较大时有偏差。这是因为地球是球面的。在地球上距离较大的三点之间，作三条直线，组成一个三角形，它的三个内角之和大于180度。这就是球面几何学。反之，在凹面上的三角形的内角之和小于180度。由此建立了一门新的学科：非欧几何学。
例（2）空间的维数是不是一定要整数？例如说一维、二维或三维空间。可不可以有分数的维度？这个看似傻瓜的提问，终于发展成为一门新科学：分形理论。弯弯曲曲的海岸线的维数就在一维和二维之间。
11 大胆假设、小心求证法
胡适在考古学研究中提出“大胆假设，小心求证”的科学方法，我认为也可用于自然科学研究，而且是一个很重要的科学创新的方法。如果你不明白为什么，对老师、专家、权威都可提出质疑，敢于好高骛远大胆假设，善于实事求是，小心求证。对于你的假设预期，要认真安排实验来小心求证。实验的结果不外四种：
（1）证明了你的假设，于是进一步去寻求新的实验证明。证明越来越多，假设就能发展成为理论；
（2）部分否定了你的假设，于是你可以部分修改你的假设，使之更为完善；
（3）全部否定了你的假设，于是你可以根据新的实验结果，提出新的假设；
（4）得到完全意外的结果。例如从设计合成一个新化合物的失败，到发现一个新的结构类型。如果你的运气好，可能发现新现象或新效应，但必须有敏锐眼光才能抓住它。
所以这四种可能性，在科学上都有收获。尤其是第四种，可能有巨大收获。
12 意外机遇法
例（1）弗莱明发现青霉素。
例（2）X－射线的发现。
例（3）宇宙的微波背景辐射。
13 灵感培养法
国学大师王国维在《词话》中写到治学的三个境界：“独上高楼，望尽天涯路
艺术教育有什么用
----来自美国艺术教育的启示
在美国亚利桑那州，公共教育长官汤姆·霍恩把为所有K-12学生提供高质量的全面的艺术教育作为其施政目标。“教育的目的有三。”霍恩说，“我们为孩子们将来就业谋生做准备；我们为孩子们成为公民做准备；我们还要把他们培养成有深层次审美能力的人。第三个目标与前两个目标同样重要。”
除了“艺术开启大脑”项目的教育经验之外，美国教育改革还明显地受到哲学与心理学的影响。教育改革导致艺术教育的发展，而艺术教育的逐步完善则又进一步深化了教育革新的成果。有两位著名的心理学家在美国教育改革中有举足轻重的作用，他们是杜威和布鲁纳。
20世纪50年代末，美国著名教育心理学家布鲁纳的“认知——发现”说走红美国，深化了教育改革的内容，强烈地推动了艺术教育的发展。尤其是他强调的学习结构、直觉思维及学习动机，成为这一时期人们强烈关注艺术教育的心理学的逻辑依据。
作为原哈佛大学“零点项目”的主要研究者，艾斯纳则统合当代主要美学心理学理论，采取完形心理学者阿恩海姆与认知心理学者皮亚杰的论点，选取阿恩海姆与兰吉关于视觉形式表现内容的理论，最后根据杜威实用主义美学阐释艺术活动的特质：一方面强调艺术的内在价值，阐发艺术的独特功能，包括艺术能提供独特的视觉境界，增进美的感受，并具有传达、维系与开拓精神领域的功能。另一方面认为艺术活动所提供的教育价值，还在于学生能从事艺术创作，能学习以艺术的象征形式表现或接受“理念与感情”。这些不仅可作为创作的根源，更是学生精神生活的一部分。同时创作活动能培养学生观照全局的视觉能力，涵养美感态度，以建立超乎实例的人生观。
美国的教育决策者也几乎普遍认识到了艺术的价值。根据“艺术教育同盟（AEP）”的一份关于2007—2008州教育政策的统计，有47个州有关于艺术教育的强制规定，48个州制定了艺术教育标准，40个州把艺术纳入了高中生的毕业考核要求。为克林顿和布什总统的教育改革奠定基调的1994年通过的《美国教育目标2000》，将艺术作为所有学校都必须开设的课程。《不让一个孩子掉队》将艺术作为公共教育的十大核心学术性科目（academic subjects）之一，这使艺术教育拥有了获得联邦政府拨款的资格。
在2003年的报告《完整课程：确保艺术与外语在美国中小学有一席之地》中，全国州教育局协会的一个研究小组指出，大量的研究揭示了艺术在课程中的益处，并呼吁更加重视艺术与外语教育。作为2004年至2006年各州教育委员会的主席，阿肯萨斯州的州长麦克·哈克比发起了一项确保每一个孩子都有机会学习、享受和直接参与艺术的运动。
那么，艺术教育究竟在人的发展过程中产生了哪些作用呢？对人类而言，艺术究竟有什么用？
“艺术不解决问题，但它能让我们意识到问题的存在。”雕塑家玛格达莲娜·阿巴卡诺维奇如是说。不过，艺术教育却能解决问题。多年的研究显示，艺术教育跟我们对教育的几乎所有期望都有关系：学习成绩、社会与情感发展、民主参与以及机会均等。
艺术教育能给学生带来多方面的益处，无论是数学、阅读、认知能力、批判性思维，还是口语技能。学生学习艺术还能提高他们的动力、专注力、自信心和团队合作能力。兰德公司2005年关于视觉艺术的一个调查显示，人在艺术体验中获得的内心愉悦与刺激，不仅仅美化了我们的生活，还“能使人跟世界发生更加深层次的联系，开阔人们的新视野”，建立起社会联系与社群团结的基础。
艺术及其教育有助于“人类自我的发现”。从游牧民族歌舞祭奠祖先、猎手在石窟中留下原始猎物壁画以来，艺术始终在描述、界定并深化着人类的经验。一个没有艺术的社会和民族是不能想象的。
艺术是儿童最佳的“启蒙书”。艺术为学生提供发现过程中的“Aha”，推动他们用新的方式看待自己，在更深的层次领悟事物，发现并更新着想象。学生学习采取两种基本的形式，一种称为“认知性学习”；而另一种则称为“情感性学习”。艺术能丰富并推动儿童的情感性学习，这是由于艺术表象最易激起他们情感反应，增进学生对所学学科的兴趣与爱好，促进他们格外努力地去学习。
艺术教育不仅能使人性完美与充实，而且亦存在颇佳的社会价值。艺术的目标，旨在直接联系人与经验，架起语词和非语词之间以及严密逻辑和情感之间的桥梁，以便使人们更完美地理解社会生活。
艺术教育是人类的希望。艺术教育家概述了美国社会现在的危机与未来的希望，而这种“危机”与希望均以是否重视艺术教育的价值为转移。如果轻视艺术教育，人们长期生活在“灰暗”与紧张的生活条件中，社会将出现危机；如果人们视艺术教育是日常生活的合理部分，那这种周围环境的灰暗与紧张状况会改变，这就是社会的希望。
因此，美国的政界与学界人士经常反复地强调说，“缺乏基本的艺术知识和技能的教育决不能称为真正的教育”，“没有艺术的教育是不完整的教育”。只有重视艺术的教育价值与功能，才能促进人性的发展与完善。全体学生，无论其天赋或文化背景，均有权享受艺术教育所提供的丰富内容。在一个科技日益先进而感官信息日趋复杂的环境中，对各类信息的感知、阐释、理解与评价的能力便成为关键。艺术有助于全体学生发展理解和辨别这种充满形象与符号的世界的多种潜力。
发布时间：2009-04-02 10:37 来源： www.ccdy.cn 作者：郑勤砚
创意经济正在召唤女性
——朱易安教授在上海师范大学的讲演
朱易安 花建
对于当代社会的人来说，拥有职业，不仅仅是有了生活来源的保障，还包含着体面生活的尊严。对于当代女性来说，拥有职业，除了上述两项，还体现了今天的新女性对实现社会价值和社会贡献的渴望。
金融危机袭来之时，经济衰退，就会影响到就业。但是，事物总是一分为二的，有的时候，部分产业则会逆行上扬。在创意经济发展的过程中，就有这样的先例。如20世纪90年代，金融危机使得一部分亚洲国家至今经济疲软，但日本的动漫产业和韩国的电视剧却快速走向世界，不仅创造了经济价值，同时还让世界重新认识了亚洲文化的价值。这种现象被学术界称为“反周期性”的发展。
最近，文化部的官员透露，去年9月，世界经济危机对中国的影响开始显现。但是，今年元旦以来，我国的文化产业却比去年同期增长了15%到18%，有些好的领域增幅达到30%。这是因为，在不景气的经济环境下，人们的压力就会加大，人们需要心灵的抚慰、心情的舒缓、身心的放松和信心的增加。这样，对文化产品需求就会增加。可以说，文化产品在拥有经济价值的同时，又拥有非常重要的精神价值。
讲演者小传
朱易安，教授、博士生导师；教育部人文社会科学重点研究基地上海师范大学都市文化研究中心研究员；上海师范大学校务委员会委员、人文与传播学院副院长兼女子文化学院院长、女性研究中心主任；中国李白研究会副会长、上海市妇女学会副会长。
研究方向：中国诗学、创意产业学、女性学
一、文化创意产业的兴起提供了就业机会
作为一个新兴的经济领域，文化创意产业并没有为女性创业设立不公平的门槛。目前，小型企业是我国文化创意产业的主体，虽然整个产业处于发展的初级阶段，但进入门槛较低，机制灵活，非常适合年轻人也包括女性的创业和就业。
文化创意产业的兴起，不仅拉动社会的消费需求，为都市文化的构建提供众多的服务，而且创造了大量的就业岗位，这在许多文化创意产业比较发达的国家已经得到证实。事实上，不仅伦敦、纽约、巴黎、东京这些大都市把文化创意产业定位成支柱性产业，国外的其他大中型城市也把发展文化创意产业看成经济发展的目标。
这里有一个很好的例子。2007年底，美国Econsult公司和跨越11个县的16个非营利性行业联合出版了《创新足迹：创意经济利润对费城地区经济的影响》的调研报告。研究表明，2005年，开展创意产业的就业区域内共创造了325亿美元的总产值和76.6万个就业机会。这项研究是“创新费城战略计划”的一个重要步骤，主要是将在费城地区建立一个全球性的经济创意中心和创意人才服务中心。这项研究将关注的重点放在需要技术推动的非营利创造性行业上。“创新费城”的创造性行业包括建筑、通讯、设计和销售、数字媒体、工程设计、时装设计、图形艺术、信息技术、内部和工业设计、市场营销、音乐、电影和视频制作、多媒体设计、摄影、规划产品设计和软件开发等。
而以下的数据则更值得重视：
——创意产业的工作人员平均年薪比非创意产业的工作人员高45%。
——2003年至2005年，费城创意产业员工的收入增加了19%，是美国所有行业中最快的增长速度。
——在费城地区的36500人口中，从事非营利创意产业的个体劳动者为12%。
——6%的创意产业公司为少数族裔拥有，15.6%（约2000家公司）为女性拥有。
回过头来看中国的文化创意产业。在政府的提倡和支持下，我国文化创意产业发展势头迅猛，但相关的统计资料则不够全面。其中令人关注的是企业的情况和从业人员的情况。据一份《文化创意产业人力资源现状调研报告》揭示，目前国内大多数的企业是民营的中小型企业。其中，国有及国有控股企业占16%，民营及多种成分的占84%；员工人数最多的仅2000多人，员工人数最少的只有5个人；七成以上企业的员工人数在100人以下。目前，小型企业是我国文化创意产业的主体，虽然整个产业处于发展的初级阶段，但进入门槛比较低，机制灵活，具有相当的活力，非常适合年轻人也包括女性的创业和就业。
在新兴的文化创意产业中，从业人员男性占60%，女性占40%。但是，“在设计与咨询、文艺演出及展示、古玩艺术这三个行业中，女性从业人员是多于男性的”。而在出版发行行业中，男女比例持平。考虑到社会人口的构成因素，从总体上看，这是一种相对平衡的状态。可以说，作为一个新兴的经济领域，文化创意产业并没有为女性创业设立不公平的门槛。而从业人员的教育背景中，除了计算机技术之外，学习文学艺术和其他文科专业的占有较大的比重。从目前大学学生的情况来看，相对应地，除了计算机专业外，其他专业似乎是女性更多一些。这实际上已经表明，文化创意产业的兴起以及新的业态的形成，给大学文科和艺术学科毕业的学生提供了更多的就业选择。如果我们能够支持和鼓励文化创意产业的发展，某种程度上也可以缓解大学生就业难的状况。
二、性别统计中的文化创意产业
文化创意产业的生产过程与传统制造业有很大的不同：创意性的、个性化的、多元化的工作性质，使工作时间和空间有相对的弹性，从而区别于传统制造业的“传输带”式的单一环节分工。创意设计和制作中，有相当一部分工作与提升人的生活品质和审美情趣有关，而这些职位可能有助于女性的鉴赏能力的发挥以及女性生活经验信息的传递。
在国外统计数据中可以看到，女性的职业发展在新兴的文化创意产业中显示出很强的特点。据有关统计资料显示，2004年，在英国创意产业相关岗位就业的女性比例已达46%。而在创意工作岗位中，女性的比例占到25%。其中，在一些与创意产业相关的岗位中，女性就业分别占广告行业的58%；时尚行业52%；广播电视行业38%；音乐、表演艺术行业38%；出版印刷行业31%；设计行业20%；电影电视行业19%；建筑行业17%；休闲、软件行业17%；手工业行业10%。
作为国际大都市之一的伦敦，从事创意工作人员中的女性比例和创意产业从业人员中的女性比例已经拥有相当的职业优势。例如，时尚业分别是78%和57%，广告创意为54%和42%，广播电视等媒体产业51%和40%，音乐、表演艺术为42%和36%。
上述情况同样也显示在其他比较重视文化创意产业的国家或城市里。在澳大利亚昆士兰，据2001年的统计数据，整个产业中女性从业者比例为45.3%，而创意产业中的女性比例为44.1%，在广告、出版以及电影和影像服务类等行业中，女性从业人员的比例已经过半。
从相关的统计数据中，可以看到现代城市产业经济结构所产生的急剧变化，同时也可以看到，文化创意产业的生产过程与传统制造业有很大的不同：创意性的、个性化的、多元化的工作性质，使工作时间和空间有相对的弹性，从而区别于传统制造业的“传输带”式的单一环节分工。文化创意产业的企业规模也比较小，上述特点很可能有利于女性的参与和发挥。
来自英国苏塞克斯地区就业指导的一份数据提供了这方面的信息，即行业中的固定员工约占55%，还有45%是非固定的“小时工”。由于文化创意产业从业人员中女性比例比较高，而其中“固定员工数量”和“小时工数量”几乎各占一半，也说明这个行业的从业者在工作时间和空间上比较有弹性，非常有利于需要照顾家庭和孩子的女性。随着女性对经济发展的贡献增大，女性自身的发展效益也不断增长。
文化创意产业已逐渐成为全球贸易重要的组成部分，相对其他产业，其增长速度十分明显。目前，美国和英国的创意产业是全球的主体和主要的出口部门，每年的增长率介于5%和20%之间。在发展中国家同样如此，“创意经济”为就业、教育和投资提供了重要的来源。据南非工业部估计，仅南非的手工艺，就贡献了20亿兰特，占南非每年国内生产总值的0.14%。此外，它还通过大约7000个小型企业，为38万人提供了就业机会和收入。南非出口的设计产品从回收瓶顶端垫到链吊灯乃至铂金珠宝首饰，都给当地创造了越来越多的就业机会和财富。大量女性参与手工业和旅游业，改善了农村妇女的经济实力，经济地位的发展也促使女性越来越多地融入主流社会。据预测，到2015年之前，手工业对南非生产总值的贡献将达到50亿兰特，新增超过2万个就业机会。
上述统计资料至少说明以下几个问题：
第一，创意设计和制作中，有相当一部分工作与提升人的生活品质和审美情趣有关，而这些职位可能有助于女性的鉴赏能力的发挥以及女性生活经验信息的传递。例如，时尚产业、广告业等等，因为女性对这些领域的敏感度比较强，工作起来会更为专注，更具有特色。
第二，创意产业的就业机会实际上分成两个部分，一是创意性的工作，二是与创意产业相关的工作，也就是非核心的工作。例如，时装秀，除了设计师、模特儿，还有更多的辅助性工作如化妆师、服装师等等，这些工作女性干起来似乎很合适，这些岗位上女性也比较多，因而也就形成了相关从业人员中女性比例较高的状况。
第三，文化创意产业的企业、产品的多样化，决定了从业人员除了专业素质以外，还要拥有较高的综合素质的特点。《2006年文化创意产业人才调研报告》在“从业人员所具备的能力素质”调查中发现，从业者的“创新精神”排在第一位，依次是沟通能力、职业素养、责任心、学习能力和灵活性等，而女性在这些综合素质方面能体现出更强的优势。
第四，无论是先发展国家还是后发展国家，只要拥有创意和设计，把握机遇，就可以形成新的产业业态，创造经济价值并创造就业岗位。同时也能带动一部分文化程度不高的女性群体拥有体面的职业。
三、文化创意产业的兴起与女性就业
作为一个新兴的经济领域，文化创意产业的兴起，从某种程度上说，是为两性的均衡发展提供了平等的起点。新型业态的形成，不仅对经济发展模式的转变有意义，在社会发展等诸多方面都具有重要意义。当女性在创造GDP的贡献上达到一定水平时，相信整个世界对女性的整体看法一定会有所改变。
近年来，上海高度重视文化创意产业的培育，政府出台了一系列的政策和措施，并且出现了一大批扶植创意产业发展的创业园区。《2009年上海市政府工作报告》中明确指出，将积极研究创意产业、商业贸易等领域新兴业态发展规则和财政扶持政策，有针对性地鼓励新兴业态发展。在这样的机遇面前，女性的职业发展可以充分发掘传统的优势，开拓新的就业与创业思路，从而在上海经济发展方式转变和结构调整的过程中发挥更大的作用。
作为一个新兴的经济领域，文化创意产业的兴起，从某种程度上说，是为两性的均衡发展提供了平等的起点。所以，这样新型业态的形成，不仅对经济发展模式的转变有意义，在社会发展等诸多方面都具有重要意义。
在各类媒体报道中，我们不断看到女性设计师在建筑设计、时尚设计、日用产品设计等创意产业核心领域中脱颖而出的消息。这种现象并不是偶然的。与前50年相比，目前国际上知名女性设计师的数量已经大大增加。除了时尚界的服饰、珠宝设计之外，相当的女性在建筑、工业等设计领域取得了卓越成就，亚裔的女性也逐渐增多，例如王薇薇（Vera Wang）、谭燕玉（Vivienne Tam）、韩枫等等。世界知名度极高的阿联酋迪拜的Bur-jAl-Arab酒店，主要的装潢设计师之一也是一位亚裔女性。萨博（Saab）汽车的色彩及装饰设计是由一群女性设计师来完成的。此外，还有美国越战纪念碑设计者林璎，北京奥运会的主场馆之一“水立方”的主要设计者之一王敏，这些跻身于国际著名设计者行列的女性，她们之所以能取得成功，都与创意经济的兴盛有很大关系。
在广播电影表演艺术等女性较早介入的领域，越来越多的女性已取得了有目共睹的成就。活跃的第一线的新闻记者中，女性的比例越来越高。近年来发展较快的网络和杂志的从业人员中，女性逐年增多。网络游戏的从业人员中虽以男性居多，但2004年女性从业人员也已达30%，主要从事非技术类的美工工作和文字工作。
研究表明，许多女性在语言的流畅性、阅读能力和词汇积累等方面具有优势，女性对色彩、声音等方面的敏感度也比男性普遍高40%左右，特别是女性具有艺术鉴赏和美学鉴别能力，这对于从事现代文化服务业十分重要。
文化创意产业在一定程度上还能推动传统手工艺产品的开发。加之女性的个性化创意，会带来新的创业和就业机会。在发达国家创意产业中，时尚手工艺品的消费是重要的组成部分。传统的手工艺制品由于加入了新的创意元素或高科技元素而带来高附加值，形成经济效益良好的新兴产业。上海作为中国近代工业的发源地，纺织业、丝绸业以及传统工艺品中的刺绣和编织，以及时尚和服装等，都曾经跻身于国际先进领域。毋庸置疑，文化创意产业的发展，将带动产业结构的调整，重新建构新兴的产业业态，开掘地域和民族的传统特色，加快时尚产业的发展。随着2010年世博会的召开和上海及周边地区旅游业的发展，旅游纪念品的开发也会有相当的市场，获得良好的经济效益。在国外，已有许多从创意手工制品发展成时尚产业的成功实例，国外的创意产业形成中不乏以家族、家庭为单位的成功经营模式，我国的手工艺大多也是以家庭为单位进行传承。这种发展模式对女性的就业和创业有借鉴的作用。
文化创意产业的发展，同时也能带动传统服务业的发展，提供更多的创业和就业岗位。国外许多案例证明，大型的展会、集聚人气的演出和娱乐场所，将带动通讯、交通运输、宾馆餐饮、广告、零售业和相关服务业的发展。例如，美国洛杉矶迪斯尼主题公园，每年要卖出400万个汉堡包、160万个热狗、320万盒冰淇淋和120万加仑的饮料。
而据《上海和长三角女性创业意愿调查》发现，上海女性在选择创业的领域时，首选进入的领域是传统商业贸易，因为传统商业贸易的门槛比较低，进入容易；当积累了经验以后，有可能进入现代文化服务业。接受调查的女性普遍认为，最适合女性创业者的领域依次为文化传媒、广告以及服装创意设计等。这说明，女性对文化创意产业的发展非常关注和渴望，同时对这些领域里的就业和创业机遇以及成功的期望值也比较高。信息技术的发展，使文化以及服务资源的开发利用进入了一个全面创新的时代，不同年龄的女性可以凭着自身特有的长处和素质，在这次创意经济大潮中扬帆远航，实现事业和家庭的双赢。
女性积极参与文化创意产业的发展和开拓，不仅是参与经济的极好机遇，同时也是发展自己，向世界展示自己能力和才华的机遇，同时满足女性在不同年龄阶段对社会、对家庭实现自我价值的愿望。女性与男性所承担的社会和家庭的角色不可能完全相同，女性的思维方式和擅长与男性也不可能完全相同。更多的女性愿意将自己的爱好兴趣和自己从事的工作结合得紧密一些，希望能更多地兼顾生活质量的追求。在这一点上，女性既是创造的主体，又是消费的主体，所以，女性和创意产业发展之间的关系非常值得研究和开掘。创意经济提供给女性自身的发展和促进也是双向的，在参与的同时，也会促使女性群体的文化素质和修养的提升。创意经济将多方位地给女性提供社会的舞台，同时也将惠及和谐社区和和谐家庭的建构。在这个过程中，两性的互补和协调发展会进入到一个新阶段，性别和谐以及平等意识会进一步加强，而女性的权益和诉求则能进一步获得重视。当女性在创造GDP的贡献上达到一定水平时，相信整个世界对女性的整体看法一定会有所改变。
（本文是朱易安教授在“女性文化与创意产业的发展高层论坛”上的讲演）
点评 创意产业与开发女性资源
花建（上海社会科学院文化产业研究中心主任、研究员）
“大国决战岂止在战场”。一个国际大都市的创意产业能力，是与它拥有的资源总量，包括资本、技术、信息、人才等密切相关的。而女性资源就是它应该从资源战略高度开发的一眼黄金之泉。对于上海来说，这个战略任务包括三个层面：
第一，开发体现女性魅力的创意产品。在人类文明的长河中，女性被认为是美的集中体现。在现代社会中，女性的魅力可以展开得极为丰富，从雍容华贵、青春野性、淳朴含蓄，到另类反叛、勤勉质朴，都是创意产业应该开发的重要元素，并且为全社会所共享。从风风火火的海选“超女”，到妙趣横生的“丑女无敌”，电视湘军一再刮起“女性旋风”，这就很值得上海创意产业思考和追赶。
第二，拓展针对女性的创意消费市场。有人戏言：“男人引导科技，女人领导市场”。放眼全球消费市场，从路易·威登到芭比娃娃，一个含金量高的女性品牌，就可以发展一整条价值连城的产业链。在这里，我们不仅仅需要开发针对女性的创意产品，而且需要在投资组合、开发模式，特别是面对全球的营销网络上，进行反复的创新和探索，树立具有全球时尚意义的上海女性品牌。
第三，培育女性特色的创意人力资源。创意产业最核心的资源，是具有创意活力的企业家，或者说是具有企业家精神的创意人。现代女性所具有的敏锐、韧性和亲和力，使她们在21世纪的企业家行列中，具有独特的地位。上海是全国每1000人平均企业数量最多的城市，也是创业环境较好的城市，应该涌现更多创意产业的女性企业家精英。
朱易安教授的讲演对此发出了卓有远见的先声。让上海的产业精英和有识之士共同来开发这一座女性资源的创意产业金矿吧。
在不景气的经济环境下，人们的压力就会加大，人们需要心灵的抚慰、心情的舒缓、身心的放松和信心的增加。这样，对文化产品需求就会增加。文化创意产业的兴起，不仅拉动社会的消费需求，为都市文化的构建提供众多的服务，而且创造了大量的就业岗位，这在许多文化创意产业比较发达的国家已经得到证实。
女性积极参与文化创意产业的发展和开拓，不仅是参与经济的极好机遇，同时也是发展自己，向世界展示自己能力和才华的机遇，同时满足女性在不同年龄阶段对社会、对家庭实现自我价值的愿望。
签约制与课题制更出作品
----政协委员谈重大历史题材美术创作工程的启示
屈菡 张晶晶
签约机制促使画院与画家双赢
“在今年的两会上，温家宝总理在政府工作报告中对文化工作提出要深化文化事业单位体制改革。在画院体制改革方面，我认为国家重大历史题材美术创作工程为画院改革提供了启示和经验。”全国政协委员、上海中国画院院长施大畏说。
画院发展到今天，政府投入不少，效果却不明显，人才出不了、作品出不了，养了一拨人，谁也不睬谁，一个比一个牛。这是现实。
施大畏清楚地记得，1991年他任上海中国画院常务副院长时，国家拨款是100万元，要养100多人，因为那时候没有社保，需要给离退休人员发工资。到2008年时，国家拨款1300多万元，只养40多个人。应该说，政府对文化投入更多了，画院的经济负担轻了，为什么出不了人才？“关键是没有像国家重大历史题材美术创作工程那样的机制激励大家。”他指出，这个工程的政府投入是1个多亿，分摊给每个创作者，若按市场价格衡量，经费相对还低。规定的6米×3米的大尺幅创作，对多数画家来讲是第一次，从创作状态来看，大家都很认真。作品总体上不错，肯定是国家最重要的一批收藏之一 。”施大畏说。
“工程刚开始实施的时候，有的画家无所谓，但入选画家名单确定以后，没参加上的画家就很失落了。”施大畏说，这一工程机制给画院管理的启发是，如何解决画家和画院的关系，用什么机制使画院和画家互相制约，出好作品。其核心就是签约制，入选画家同工程签约后，获得材料费等资金。工程办公室分阶段组织专家对作品创作进行观摩，然后按照创作进程和作品质量支付下一阶段材料费，但最终作品是否入选，要看质量再定。
这种模式画院也可借鉴，画家和画院签订项目之后，就拥有画院画家的待遇——头衔、工资、稿费，如果完不成项目就会失去待遇。但现在的情况是，画家拿着国办画院的头衔，却忙着运作自己作品的市场，而市场并不能真正体现画院画家的价值。画院画家应承担权威性的创作——既有精神内涵，又有学术高度的重要作品。
“在多元时代，无论是传统艺术，还是当代艺术，都有评判标准。现代社会应该分工明确，主题创作的主力军在画院，职业画家在当代艺术领域，教学型画家则执教大学。索尼株式会社社长曾说：‘中国只重视科学家、院士，不重视培养技工和工程师。’他认为中国要发展，必须培养工程师和技师，而且让他们富起来。我非常同意他的看法，中国文化要发展，国民素养要提高，需要更多有知识的青年在基本岗位上训练。我们许多观念上要调整。新入院的画家让他先做展览策划，如果做得好，再给画家的头衔。不然一成为画家就觉得牛了，今天是三级美术师，明天就国家一级了，忙着到外面卖钱去了。艺术界已经到了准贵族的时代，大家普遍日子好过了。但文化肯定是苦行僧的事，艺术家要有苦行僧的精神，在市场面前要保持清醒。 ”
“一句话，国家投入应该重点在养作品，而不是养画家。如果说，设立创作基金主要任务是鼓励主题性创作，那么，建立收藏基金可以用来收藏一批能够代表时代特征的多元作品，包括当代艺术。这两个基金在国家整体投入里可能只是很小的一部分，但对民族素养的提升作用却是不可忽视的。”施大畏表示。
国家应以重大课题方式组织美术创作
“国家重大历史题材美术创作工程开展的意义十分重大，在今年9月所有作品将集中展出，接受全国人民的检阅。我们可以从这一工程的运作中总结宝贵经验。”全国政协委员、中国国家画院创研部主任赵卫表示，它的重要启示之一就是国家继续以课题的形式组织主题创作，推动中国美术和文化事业发展。
他谈到，首先，这个工程是国家第一次投入1个多亿来支持美术创作，体现了国家对文化的重视，同时也说明了我国经济实力的增强，这对美术创作特别是主流美术创作起到了特别大的推动作用；其次，对于全国的美术家，特别是全国画院、美院系统的美术家而言，创作热情也得到了极大的调动；第三，这次创作将为国家留下一大批艺术精品，随着时间的推移，这些作品将会体现出它们应有的价值；最后，这对于之前大家一直担心的西方的基金进入后对中国美术市场的冲击问题，从客观上起到了一定的应对作用。
“所以，我们应该总结工程进展过程中的经验，并把这样的创作继续下去。重大历史题材美术创作本身是个课题，这个大课题在得到了中宣部、文化部以及财政部的支持后得以促成。下一步希望国家继续以课题的形式组织美术创作，关注文化建设，关注美术发展。”他对记者表示，自己目前构思的课题名称是“当代中国”，希望可以囊括更广泛的题材，汇聚一批当代优秀画家，把中国当代最优秀的作品保留下来，并且在现有的基础上做得更全面、更理想。
来源： www.ccdy.cn
全球化时代的“大学之道”
——陈平原教授在复旦大学的讲演
争创“世界一流”——这种内在兼外在的压力，正使得中国大学普遍变得躁动不安、焦虑异常。其好处是，举国上下全都努力求新求变；其缺点则是，大学不够自信，难得有发自内心的保守与坚持。
全球化时代的大学，并非“自古华山一条路”，而很可能是“条条大路通罗马”。外有排行压力，内有部门管理，中国大学自由发展的空间正日趋缩小。对此，我们必须保持必要的警惕。如果连标榜“独立”与“创新”的大学，都缺乏深刻的自我反省能力，那就太可怕了。
讲演者小传
陈平原，1954年生，广东潮州人。现为北京大学中文系教授及系主任、教育部长江学者特聘教授、北大二十世纪中国文化研究中心主任、中国俗文学学会会长。曾被国家教委和国务院学位委员会评为“作出突出贡献的中国博士学位获得者”(1991)；获全国高校一、二、三届人文社会科学研究优秀著作奖（1995，1998，2003）等。先后出版《中国小说叙事模式的转变》、《千古文人侠客梦》、《中国现代学术之建立》、《触摸历史与进入五四》、《大学何为》等著作三十余种。
国人都说，都全球化时代了，我们不能再沉默，一定要发出中国人自己的声音。否则，我们将被日渐边缘化。面对如此宏论，我“欣然同意”。只是如何落实，实在心里没底。比如，什么是中国人“自己”的声音，如何“发出”这声音，还有这“声音”是否美妙，都没把握。不提别的，单说“全球化时代的‘大学之道’”，感觉上便是危机四伏。
在西方，大学已经定型了，路该怎么走，大致已经确定；作为个体的知识分子，你可以发言，但说了基本上等于白说。而中国却不一样。有那么多读书人都愿意暂时搁置自己的专业，争相谈论大学问题。那是因为他们相信，大学问题还在自己努力的范围内，今天的“百家争鸣”，也许会影响到日后中国大学的发展方向。
至于我个人，既研究过去百年的“大学史”，也关注“当代中国大学”。我心目中的“当代中国大学”，是着眼于邓小平南巡以后，1993年中共中央、国务院颁布《中国教育改革和发展纲要》之后，这15年中国大学所走过的路。我曾用了十个“关键词”来观察、描述、阐释这15年的中国大学。那就是：大学百年、大学排名、大学合并、大学分等、大学扩招、大学城、大学私立、北大改革、大学评估和大学故事。
具体的我不想多说，就说一句：此前一千年，大学作为一种组织形式，为人类文明作出了巨大贡献；以后一千年，大学将继续展现其非凡魅力，只是表现形式可能会有很大变化。至于中国大学，仍在转型过程中，更是有很多问题需要我们勇敢面对。
一、“世界一流”的焦虑
我认定，大学排行榜对于中国大学的发展，弊大于利。因为排名只能依靠数字，而数字是很容易造假的。以为读书人都讲“仁义礼智信”，那是低估了造假的巨大收益，而高估了道德的约束力。
大学排行榜的权威一旦建立，在我看来，此举将泯灭上下求索、特立独行的可能性。
在科技及文化领域，中国人有好几个梦。比如，奥运金牌第一，获得诺贝尔奖，还有创建世界一流大学。通过倾全国之力，在北京举办一次“无与伦比”的奥运会，第一个梦想已经实现了；第二个呢，不管是文学还是物理、化学、经济学，还没有一个持中国护照的学者或文人获得过诺贝尔奖。不过，这是迟早的事；而且，我以为不会太遥远。相对来说，建设一所能体现一国学术文化整体水平的“世界一流大学”，反而有点“悬”。
当今中国，各行各业，最时尚的词，莫过于“世界一流”，可见国人的视野和胸襟确实大有长进。提及“中国大学”，不能绕开两个数字，一是“211”，一是“985”，而且都叫“工程”。在21世纪，培育100所世界著名的中国大学，这自然是大好事。可国家毕竟财力有限，这目标也太宏大了点。于是，政府做了调整，重点支持北大、清华等“985”工程大学。此后，我们开始以欧美的一流大学为追赶目标。
其实，从晚清开始，中国人办现代大学，就是从模仿起步的。一开始学的是日本和德国，上世纪二十年代转而学美国，五十年代学苏联，八十年代以后又回过头来学美国。现在，谈大学制度及大学理念的，几乎言必称哈佛、耶鲁。连牛津、剑桥都懒得提了，更不要说别的名校。俨然，大学办得好不好，就看与哈佛、耶鲁的差距有多大。在我看来，这已经成为一种新的“迷思”。过去，强调东西方大学性质不同，拒绝比较，必定趋于固步自封；现在，反过来，一切惟哈佛、耶鲁马首是瞻，忽略养育你的这一方水土，这同样有问题。
我常说，中国大学不是“办在中国”，而是“长在中国”。各国大学的差异，很大程度上是历史形成的，不是想改就能改的，因为我们只能在历史提供的舞台上表演。而就目前中国大学的现状而言，我们首先要明白自己所处的历史舞台，寻找适合自己发展的道路，而不是忙着制订进入“世界一流”的时间表。
再说，“大学”是否“世界一流”，除了可见的数字（科研经费、获奖数目、名家大师、校园面积、师生比例等）外，还得看其对本国社会进程的影响及贡献。北大百年校庆时，我说了好多话，有的被严厉批判，有的则得到广泛赞许，下面这一句，倒被不断“传抄”——“就教学及科研水平而言，北大现在不是、短时间内也不可能是‘世界一流’；但若论北大对于人类文明的贡献，很可能是不少世界一流大学所无法比拟的。因为，在一个东方古国崛起的关键时刻，一所大学竟然曾发挥如此巨大的作用，这样的机遇，其实是千载难求的。”我这么说，并非否认中国大学，尤其是我所在的北京大学。我只是不喜欢人家整天拿“世界一流”说事，要求你按“排行榜”的指标来办学。
我在好多文章中批评如今热闹非凡的“大学排名”。我认定，大学排行榜对于中国大学的发展，弊大于利。因为排名只能依靠数字，而数字是很容易造假的。以为读书人都讲“仁义礼智信”，那是低估了造假的巨大收益，而高估了道德的约束力。即便是老实人，拒绝弄虚作假，可当潜意识里着力于生产“有效的”数字时，也必定会扭曲办学方向。
大学排行榜的权威一旦建立，很容易形成巨大的利益链条，环环相扣，不容你置身事外。在我看来，此举将泯灭上下求索、特立独行的可能性。因为好大学必须有个性，但它的那些“与众不同”的部分，恰好无法纳入评价体系。“趋利避害”是人的天性，大学也不例外。久而久之，大学将日益趋同。差的大学可能得到提升，而好的大学将因此而下降。这就好像辩论比赛。裁判称，按照规则，去掉一个最高分，去掉一个最低分，其余的平均。这被抹去的“最高分”，可能是偏见，也可能是创见。当你一次次被宣布“工作无效”，不计入总成绩，自然而然的，你就会转向，变得日渐随和起来。当然，你也可以固执己见，可那就有可能成为“烈士”了。
所谓争创“世界一流”，这么一种内在兼外在的压力，正使得中国大学普遍变得躁动不安、焦虑异常。其好处是，举国上下全都努力求新求变；缺点则是大学不够自信，难得有发自内心的保守与坚持。其实，所有理想型的论述，在实际操作中都将打折扣。所谓“非此即彼”或“不全宁无”，只适合于纸上谈兵。今天中国，不仅仅是“开放”与“保守”之争，在“接轨”与“闭关”之外，应该还有第三、第四条路可供选择。
全球化时代的大学，并非“自古华山一条路”，而很可能是“条条大路通罗马”。外有排行压力，内有部门管理，中国大学自由发展的空间正日趋缩小。对此，我们必须保持必要的警惕。如果连标榜“独立”与“创新”的大学，都缺乏深刻的自我反省能力，那就太可怕了。
二、“教学优先”的失落
今天的中国大学，教授们普遍不愿在学生身上花太多的时间。其原因是，这在各种评鉴中都很难体现出来。每次晋升职称，因教学好而被评上、或因教学不好而被卡住的，极少极少。本科教学不受重视，很多著名教授不愿意给本科生上课，这是今天中国大学一个很严重的问题。
我之所以对各式排行榜心存忌惮，很大程度基于我对大学功能的理解。在我看来，大学不同于研究院。即便是研究型大学，“教书育人”依旧是我们最重要的任务。学校办得好不好，除了有可以量化的论文、专利、获奖等，还得看这所大学教师及学生的精神状态。好大学培养出来的学生，有明显的精神印记。不管你是培养“英国绅士”，还是“共产主义新人”，都要把人的精神面貌放在第一位，关注的是心智，而非专业技能。而所谓的“心智”或“精神”，都是以人为中心，注重长时段的影响，而非一朝一夕、一时一地的表现，故无法落实在各种硬指标上。
自从有了“世界一流”的奋斗目标,加上各种“排行榜”的诱惑与催逼，大学校长及教授们明显地重科研而轻教学。理由很简单，教学（尤其是本科教学）的好坏，无法量化，不直接牵涉排名。不管是对教师的鉴定，还是对大学的评估，都是“对科研很实，对教学则很虚”。其实，当老师的都知道，在大学里教好书，获得学生们的衷心拥戴，很不容易。我这里所指的不是课堂效果，因为那取决于专业、课程、听众以及教师的口才等；我觉得更重要的方面是老师用心教书，对学生负责，以及真正落实教学目标。
今天的中国大学，教授们普遍不愿在学生身上花太多的时间。其原因是，这在各种评鉴中都很难体现出来。这是一个很糟的结果。我甚至认为，高悬“世界一流”目标，对那些实力不够的大学来说，有时不啻是个灾难。这很可能使得学校好高骛远，挪用那些本该属于学生（尤其是本科生）的资源，投向那个有如肥皂泡般五光十色的“世界一流”幻境。结果呢，连原本可以做好的本科教学都搞砸了。
这让我想起西南联大的故事。今天，大家都在怀念炮火纷飞中联大师生的“笳吹弦诵”。毫无疑问，这个生存在战争年代的大学，“生产”了很多著名人物，包括诺贝尔奖得主杨振宁、李政道，还有众多“两弹一星”的元勋。但请大家注意，联大校友中，理科方面的著名人物绝大多数都留过洋。事实上，西南联大最大的“学术成就”，是成功的本科教育。
现在大家谈西南联大，有点过高估计了他们的学术水平。杨振宁、何炳棣都再三说，西南联大的学生到美国念研究院，比美国最好的大学一点都不差。这话有道理，但必须加注。当年西南联大的学术水平，和美国著名大学之间，是有较大落差的。但西南联大培养出来的学生，与美国学生的差距并不大，原因是什么？第一，大学经费有限，无力发展研究院，西南联大9年培养出来的研究生总数不超过100人，还没有今天一个院系一年培养的多；第二，因当时学校实验设备等教学硬件实在太差，教授们没有能力从事专深研究（我说的是理工科）。因此，无论校方和教授们，全都专注于本科教学。根据我翻查的很多史料，包括当年的各种教材、教师薪水表、图书馆资料、仪器设备，还有当事人的日记和回忆录等，确认西南联大的学术环境实在很糟糕。可另一方面，当一所大学的所有著名教授都把主要精力投入到本科教学里面，这个大学培养出来的本科生，水平一定高。
如今回过头来看日渐成为神话的西南联大，确实有很多感人的故事。包括吴大猷教授如何发现李政道，扶上马再送一程。根据杨振宁回忆：“当时，西南联大老师中有学问的人很多，而同时他们对于教书的态度非常认真”。李政道则称：“他们看见有一个优秀的学生，都是全副精神要培养的。”为什么会这样？我的理解是，除了教书育人的共同理念，一个重要原因是当时大学没有能力大规模发展研究生教育，没条件强调学术成果。但这一缺陷，反而成全了西南联大的本科教学。
而今天，所有的中国大学，稍微有点样子的，都在拼命发展研究院，不愿意把主要精力放在本科生身上。说好听点，大家都在努力迈向“研究型大学”；说得再透彻点，那就是教授们都在拼自己的业绩。
本科教学不受重视，这是今天中国大学一个很严重的问题。很多著名教授不愿意给本科生上课，其中存在制度方面的原因。比如，在大学里教书，只有论文或著作才能体现教师的学术水平，至于教学方面的要求则是很虚很虚。每次晋升职称，因教学好而被评上、或因教学不好而被卡住的，极少极少。加上很多不太自信的大学，会把每年发表多少论文作为一个硬杠杆，那就更促使老师们不愿意在本科教学上用心了。
所谓“教学”与“科研”可以互相扶持，且相得益彰，我认为，那是一种“理想状态”，缺乏实验数据的支持。确实有既长讲课又擅科研的，但即便是如此完美的教授，其备课、讲课及辅导学生，同样会影响科研工作——毕竟，我们一天都只有二十四小时。而更多的教师则是学有偏胜，或长于教学，或长于著述。假如我们认定，大学的核心任务是“教书育人”，那么，如何让长于教学的教师发挥更大的作用，而不是硬逼着他/她们去写那些不太管用的论文，是个亟需解决的难题。在我看来，大学教师的“育人”，不仅是义务，也是一种成果——只不过因其难以量化，不被今天的各种评估体系承认。
三、“提奖学术”的困境
强大的经费支持，对人文学者来说有时甚至还坏事。为什么？因为拿人家的钱，就得急着出成果，不允许你慢工出细活。目前的这套项目管理机制，是从理工科延伸到社会科学，再拷贝到人文学的。当代中国人文学的最大危机，很可能还不是在社会上被边缘化、在大学中地位急剧下降，而是被教育主管部门按照工科或社会科学的模样进行“卓有成效”的改造。
我的基本判断是：中国大学——尤其是“985”工程大学，可利用的资源会越来越多；可随之而来的是，工作压力也会越来越大。上世纪八十年代，我们很穷，但有很多可自由支配的闲暇时间，供你潜心读书做学问——那是最近三十年中国学术得以迅速崛起的重要因素。可现在不一样了，大学教师诱惑很多，要求大家都“安贫乐道”，很不现实。以后大家收入还会逐渐增加，但工作会越来越忙，可能忙得四脚朝天。我们必须适应这个变化了的世界，但不一定非“随风起舞”不可。对于大学教师来说，单说“支持”而不讲“责任”，那不公平；我只是希望这种压力，不是具体的论文指标，而是一种“氛围”以及无言的督促。现在都主张“奖励学术”，可如果缺乏合适的评价标准，奖励不当，反而徒增许多困扰。因此，我们必须逐步摸索，建立一套相对合理的考核与评价体系。
去年初，我在《人民日报》上撰文，提及中国的学术著作出版那么多，但绝大部分都是半成品。我所说的“半成品”，意思就是作品立意好，作者也下了工夫，但火候未到，还没打磨好，就急匆匆出来了。之所以“精品不精”，主要原因是打磨不够，背后因素则是市场的诱惑，以及教育部的评奖机制，剥夺了学者们本该有的从容、淡定和自信。
以我的观察，最近三十年，好的人文学方面的著作，大体上有三个特征：第一，个人撰写；第二，长期经营；第三，基本上没有资助。我对人文学领域的大兵团作战，不太以为然。动辄四五十人，真的能“强强联合”吗？我怀疑其实际效果。强大的经费支持，对人文学者来说，不是最关键的，有时甚至还坏事。为什么？因为拿人家的钱，就得急着出成果，不允许你慢工出细活。目前的这套项目管理机制，是从理工科延伸到社会科学，再拷贝到人文学。延伸到社会科学，还有道理；最不适应这套管理机制的，是人文学。
现在提“奖励学术”，都说要以课题为主，尤其是有关国计民生、人多势众的“重大课题”。我不太同意这一思路。如果是奖励人文学，我主张“以人为本”，而不以工程、计划为管理目标。原因是，人文学的研究，大都靠学者的学术感觉以及长期积累，逐渐摸索，最后才走出来的。还没开工，就得拿出一个完整的研究计划，你只能瞎编。如此一来，培养出一批擅长填表的专家，学问做不好，表却填得很漂亮。而且，我们还以项目多少作为评价人才的标准。我建议政府改变现有的这套评价体制。
外面传说，北大有一个规定，两个人同样评教授，一个人有课题，一个人没课题，如果成果一样，那就应该给那没课题的。因为，没有政府的经费支持，还和你做得一样好，可见他的学术水平更高。这属于美好的误会，北大其实没那么“另类”。最近学校开会，还在提醒我们尽量争取课题。只不过，北大的教授们，确实不太愿意申请各种各样的课题，越有名的教授越是如此。我觉得，管理部门应该反省一下，为什么会有那么多好学者不愿意做课题。我的建议是，允许学者不做课题，但出了成果摆在那里，请专家鉴定，真好的话，值多少钱，10万、20万、50万，你给我，我继续做研究，至于怎么做，我自己决定。在国外，也有这种情况，奖励你科研经费，后面的活，你自己做。这样的话，什么时候发论文，什么时候出书，我来把握。现在的状况是：按工程进度，一年或三年，必须结项。做不出来，你也必须硬撑，送上一堆夹生饭。对人文学者来说，每天忙着填表，不是好事情。恕我直言，今天的中国大学很有钱，但学术环境及整体氛围不如80年代。
在《当代中国人文学之“内外兼修”》（《学术月刊》2007年11期）中，我曾谈及，当代中国人文学的最大危机，很可能还不是在社会上被边缘化、在大学中地位急剧下降，而是被教育主管部门按照工科或社会科学的模样进行“卓有成效”的改造。经过这么一番“积极扶持”，大学里的人文学者，钱多了，气顺了，路也好走了。可没有悠闲，没有沉思，没有诗意与想象力，对于人文学来说，这绝对是致命的。原本强调独立思考、注重个人品味、擅长沉潜把玩的“人文学”，如今变得平淡、僵硬、了无趣味，实在有点可惜。在我心目中，所谓“人文学”，必须是学问中有“人”，学问中有“文”，学问中有“精神”、有“趣味”。但在一个生机勃勃而又显得粗糙平庸的时代，谈论“精神超越”或“压在纸背的心情”，似乎有点奢侈。
■ 点评
大学：“美国化”及其他
邓正来（复旦大学特聘教授、社会科学高等研究院院长）
从文化-政治的视角来看，当下如火如荼的全球化时代实是一个格式化、模式化的时代。在此一时代，西方、特别是美国的“理想图景”和制度安排俨然获得了“普世”的意义，经济市场化、政治民主化和文化的“麦当劳化”以及其所赖以为基的“新自由主义意识形态”，已然成为人们考量包括中国在内的诸后发国家之现代化程度的当然判准。之所以产生这样的局面，在我看来，我们的大学也在一定程度上难辞其咎。因为作为一国知识生产、创造和传播的核心单位，一旦大学丧失反思品格和创造精神，一个民族显然在这个方面也只能逐渐丧失它的自主性。在这个意义上，我赞同陈平原的问题意识，亦即关于全球化时代中国“大学之道”的想象。
陈平原讨论了三个问题，但在我看来他其实主要讨论了两个层面不同且互有张力的问题：一是我刚刚谈到的大学的美国化问题，二是我在其他场合曾极力批判的“知识规划”的问题。然而，这两个问题却是处于不同层面的：前者指向的是创建“世界一流大学”的时风中大学评价的单一化问题，以及与此相勾连的、我所谓的“科研驱逐教学”的问题；而后者指向的实是学术不自主的问题，因为这种中国式的“知识规划”所具有的最为根本的特征，乃在于它是以“自上而下”的方式以及由它确定的学术制度安排为基础的，而这意味着这种方式和制度安排在很大程度上不仅确定了我们的知识生产方式，而且还型构了我们知识产品的具体内容。显而易见，如果说前者属于大学过于西方化的问题，那么后者似可归结为我们仍须向西方学习的问题。因此，这至少命令我们还必须追问这样一些根本性的问题：当下中国大学所存在的诸多问题中，究竟哪些属于过于西方化的问题（或毋宁说“南橘北枳效应”使然）？哪些属于仍须向西方学习的问题？这两者之间又是何种关系？这两种表面上处于不同层面的问题是否在更深的层面上具有根本上的一致性或相关性？
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吴冠中：与“五四”同庚的艺术家
吴冠中先生是20世纪中国美术史上具有独特价值的画家，他在油画与水墨领域的往返耕耘，在中西绘画意蕴的融汇，中国艺术精神与现代绘画形式的结合等方面，作出了富有个性色彩的探索和贡献。
吴冠中不仅是一个多产的艺术家，还是一个多产的作家和理论家。他在不同阶段提出的几次革新主张，引起美术界的高度关注和学术反响。吴冠中视艺术为生命，为这些理论从历史和文化的深度，对中国20世纪美术的发展提出了自己的见解，充满新鲜的思想活力，对中国当代美术发展的进程产生了很大的影响。
“耕耘与奉献——吴冠中捐赠作品展”由中国美术馆、上海美术馆、新加坡美术馆联合主办，展出吴冠中先生捐赠给这三家海内外公立美术馆的作品180余件，是有关吴冠中艺术作品最集中最大规模的一次展示，将使社会公众进一步了解和认识吴冠中耕耘一生所取得的艺术成就和无私奉献的品格。这批作品既有他近两年的油画、彩墨画新作，又有上世纪50年代以来各个时期的代表作，吴冠中近期捐赠给中国美术馆的36件重要作品，连同中国美术馆原来所藏其26件代表作品，构成了中国美术馆吴冠中艺术收藏较为完整的作品序列，对于吴冠中艺术的国家收藏、研究、展示和交流具有重要意义。
今年是吴先生90华诞，又是建国60周年和五四运动90周年。这些纪念性日子的重合，给我们一个回顾和思考中国现代美术发展历程的机会。我想到的就是吴冠中的艺术与“五四”以来的中国现代美术的发展历程。
过去的一个世纪，或者说过去的90年里，是中国的知识分子思考和追求现代化的时代。前辈知识分子是在一个“法古”、“惟上”和“从众”的普遍心理笼罩下，起步探求如何使我们的社会、我们的文化复兴自强之路的，这使他们的思考面对错综复杂的伦理与心理障碍。在这个大背景下，人们提出各种不同的主张，当时觉得他们存在很多差异，实际上他们的出发点却是一致的，那就是对中国人和中国文化现实处境的危殆感。正是在这种危殆感笼罩下，“救亡与启蒙”成为文化发展的主题。
在吴冠中成长过程中，中国美术的波折起伏，是在“救亡”与“启蒙”扭结交错中显现的。这成为吴冠中艺术思想生成的背景，他的许多想法（例如有名的“风筝不断线”）显然与此有关。但对于绘画来说，在“救亡”、“启蒙”和“服务”……之外，还有它的本体问题。不解决本体问题，艺术自身难保，遑论“救亡”、“启蒙”？遑论“服务”于它者？李泽厚近年宣讲他的“西体中用”说，他认为“关键在于创造形式”，他认为我们需要从中国自己的历史和现实出发，创造出一些新的形式来。当然，他所说的“形式”是思想、哲学上的宏观的“形式”。在他的这一思路启发下观察现代中国美术历史，我觉得吴冠中的艺术探索，吴冠中对中国现代美术的贡献，是他发现了20世纪中国绘画在形式创造上的空缺。他的艺术是在绘画艺术上创造新形式的试验，他对现代美术的影响在于呼唤美术家对绘画本体的关注。这实际上是策动美术从“服务”框架中突围的图谋，对他的批评由此开端。
艺术史家已经看到，现代画家实际上都是在追求“一种新的抽象结构，一种新的但是纯粹的形式意味，一种新的、产生于物理视觉本身的真正结构的模式，一种新的、色彩组织的形体”（哈罗德·奥斯本）。我们在吴冠中的创作中可以清楚地感受到这样的追求，但这只是吴冠中追求的中间环节，他是通过形式追求意境：“我爱绘画中的意境，不过这意境是结合在形式美之中，首先需通过形式才能体现。用绘画的眼睛去挖掘形象的意境，这就是我艺术生涯的核心……”
吴冠中的作品之吸引观众，并不是他在画面上再现了自然的客观形态，而是使观众感受到生命活力的痕迹。他多次强调他是从形式结构角度观看、选择山水建筑和花木。但如果从他选择的总体看，在形式之外，他还有关注的东西，他并没有背离中国传统文化的自然观，即伦理和比兴态度，以这种文化心态去观看和对待自然物象。山、水、松、荷，以及故乡墟里……即使在他越来越接近抽象的时候，这种源于中国文化的心境，仍然是他艺术活动的基础。超越于体裁特征的中国韵味，是画家同时耕耘于油画、水墨两方园圃的基础上对中国现代美术的贡献。
吴冠中是一直坚持油画创作，又不断以水墨从事艺术试验的人。但他与那些从油画“回归”水墨的老画家不同，他不是在激越之后归于淡泊。而是产生了新的激越———他要在远离传统笔墨、传统图式的前提下追求中国文化精神。
他与那些老画家之间的差异在于他要越过传统笔墨、传统图式去追求由中国文化精神自然生发的感情境界。他不认为离开前人技法经验会妨害中国艺术传统的延续，而且认为这将使这一传统为更多的现代人所接受。他的水墨画作品证实，虽然在技巧、章法上远离传统绘画形式，但在艺术精神上却是与历代水墨画大师们灵犀相通。和他所崇敬的“五四”先贤相仿，他所抉择的是运用“现代汉语及外国语”来使“中华民族的独特气质被世界认识”。如果我们不把伟大的水墨艺术只看做一种技艺、一种功夫，而看做一种精神性的创造活动，就不应该认为吴冠中抛弃了中国传统艺术的精神。
吴冠中论说艺术的文章不是学院派引经据典的“论文”，而是针对当代中国艺术的现实境况对同行提出的“忠告”。他关于现代绘画的存在理由、艺术的传统与创新、形式对于绘画的意义等方面的论述，有一个共同的出发点，那就是在掌握世界艺术潮汛的基础上，立足现代中国，清醒估量当代中国艺术的得失，企求中国艺术生面新开。由此出发，他为“中国现代艺术的开拓和挺进”大声疾呼。
在涉及艺术领域的现实问题的时候，吴冠中总是质言无华，以致引起有些人的反感。如果排除感情因素，把他的这些言论放到现代中国绘画历史发展的大环境中审视，就会看到吴冠中在1980年代以来中国艺术界寻求自主性过程中的重要位置。不能不承认他的主张确实是“适应于时代之要求而救其弊”的针砭之言，不能不承认他直指极左教条的大声疾呼是“破冰之举”。
90年代以来，中国艺术家以不同心态，从不同角度关注传统文化的命运。如果从艺术史的角度观察，就会看到传统是在综合、发展和变异中保持了生命力。是那些对传统有所变革、有所增益的艺术行动维持了传统的生命活力。不论是李泽厚的“转换性的创造”，还是林毓生的“创造性的转换”，都离不开“创造”。我们这个时代的哲学家早就想通了美术家至今没有相通的事情——离开创造，不但丧失未来，而且丧失传统。
在中国现代绘画史上，吴冠中的意义是开辟了一条跨越传统程式，融汇中西艺术的道路。他不以文人画的继承者自居，但在深层艺术观念上却与开创文人画传统的文人声气相通；他不崇拜传统笔墨程式，但他是当代水墨画家中最能发挥水墨语言的多样表现性的画家之一，在无所顾忌、无所约束的心态下画出了具有中国艺术精神，而非传统形式的作品。虽然在中国画圈内有许多人对他的创新实验心存疑忌，但在圈外人看来，他是极具中国文化风神情趣的现代中国画家。他认为只有不断发展变化，才谈得上保留传统，将笔墨等同于传统，是“保留文物”而非保留传统。“我们在传统中得益的，是启发；我们在传统中失足的，是模仿”，但他并没有抛弃传统笔墨的精神。他在传统笔墨形式如皴法之外，对线和点的表现力做了新的拓展，他创造出了新的水墨画节奏，因此也就拓展了现代观众的审美趣味。这种新节奏的核心是表现生命的运动。他以自己多样化的实践给后来者展示了一种新的可能性——不刻意摹古，不刻意追随历史上的大师，也有可能创作出有十足中国风味的绘画。而我们从来认为离开古代大师创树的规范和程式，我们就会失去艺术的传统精神，失去绘画的民族特性。
吴冠中是一个企图在新旧交替的时代保留自己纯真个性的中国文人，他的绘画作品和他的艺术观念，是他的艺术理想与20世纪后期中国文化环境既冲突又亲和的产物，是画家以个性化的方式，对20世纪中国画坛正面和负面各种挑战的回应。在“五四”运动过去已90年的今天，人们对“五四”的看法更趋全面和冷静，对“五四”的评价更趋客观。当我们回顾“五四”新文化运动所张扬的那种文化立场和开拓精神，反思90年来中国美术艰难行进的经验时，深切地感受到美术界谈论“五四”传统的人和言论不算少，但真正追随“五四”精神的实在罕见。而吴冠中是现代中国美术界少有的自觉认同“五四”理想，而且不顾后果地接过“五四”使命的美术家。他所面对的毁、誉都与此相关。
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平面设计面临的问题和应对
来源： www.ccdy.cn 作者：祝帅
今年是现代意义上的平面设计行业在中国恢复的第30个年头，也是艺术设计作为一门高等教育的专业在中国正式建立的第10年。这些年来，平面设计领域内的从业者和设计教育者，为这个行业和学科都做了大量的工作，中国设计师在国际上也逐渐获得了前所未有的认可与地位。平面设计日益在艺术设计的学科体系中占据重要的环节，成为最具代表性的艺术设计门类，甚至正在成为重要的“纯艺术”组成部分。但是设计行业的 “圈内热闹圈外冷”，至今仍是一个无法回避的事实。
南北分宗的地域化趋势
“画分南北”在美术史上已经成为众所周知的命题。有观点认为，设计也是“南北分宗”，所依据的事实并非是中国南北方的文化差异，而完全是以设计师所在城市为标准进行划分的。“北方设计师”被圈定为北京的几位设计师；“南方”则包括了深圳、广州以及近年来在平面设计界崭露头角的宁波等城市。一个不容忽视的事实是，这样划分的“北方设计师”当中并不见得是文化意义上的北方人，而“南方设计师”中同样也是有相当一部分是从北方到南方谋求发展的从业者。这样的分类最初大概只是介绍中国设计师的本意，并没有从共同的艺术风格、设计理念和文化归属等方面做出共性的归纳——即或把“形式实验”视作北方设计的风格，这样的概括也是与北京的地域文化风貌没有任何关联的。从设计发展的角度说，笔者并不赞成在现阶段做出这样的划分。
近年来北京设计的繁荣，的确对过去中国内地平面设计的深圳中心格局形成了较为有力的冲击。长期以来，尽管有清华大学美术学院这样重要的设计教育机构，但由于所培养的设计人才往南方的流动，北京在平面设计方面的发展一直难以与深圳相抗衡，在当地有一些影响的几家大设计公司在业界几乎也都缺乏一种呼风唤雨的号召力。不过由于平面设计与经济发展的内在关联，北京并不缺乏设计发展的潜力。近年来步入中年的一些有实力的设计师逐渐加入北京的设计队伍，吕敬人、王敏等设计师先后从事设计教学，为清华美院、中央美院设计学院等院校、机构培养了一批有社会影响力的青年设计师。总的来看，北京设计师群体的水平参差较为严重，设计师们缺乏统一的组织和明确的学术目标，从风格上说，相当一部分设计工作者还停留在追随西方的形式实验的层面上，独创性和个人追求比较缺乏。在平面设计的各个门类中，北京还没有形成任何一个真正有生命力的设计学派。
相比之下，南方地区由于深圳、广州等地平面设计起步早、与外界交流多，同时也在很大程度上得到了当地政府和媒体的高度重视和支持，因此显得成熟许多。深圳设计03展和深圳平面设计师协会的恢复都可称作是中国当代平面设计史上的大事，而深圳市政府提出“建立中国的设计之都”的口号更是令其他城市设计师羡慕不已。近年来宁波对平面设计也较为重视，当地的蒋华、潘沁等一些学院设计师在教学之余设计创作中也取得了令人注目的成果。
此时，也许打破这种二元对立的格局，意识到中国平面设计的整体性，求同存异地致力于中国设计水准的建设和发展，才是当下我们更需要做的。
画地为牢的设计体制
与美术、摄影、书法等其他艺术门类相比，中国当代设计体制的建设是不尽如人意的。首先，中国缺乏一个权威性的“中国设计师协会”，而仅有一些地方性或非官方的设计师组织；其次，中国设计缺乏政府支持的一个全国性设计大展，这与国际上一些重视设计的国家行为很不一样；最后，与上述体制相联系，中国设计也缺乏相应的批评、出版、学术交流等机制，这对于作为一门艺术来发展的设计是极其不利的。令人遗憾的是，上述这些判断几年之后依然没有得到质的改观。
近年来在设计协会和展览方面，有这样几件事是值得一提的。一是中国美术家协会成立了“平面设计专业委员会”并参与策划了“十届全国美展艺术设计展区”，尽管在业内该展览并没有像“深圳设计03展”和“平面设计在中国05展”一样受人瞩目，但由于其“国展”的性质，所反映出的一些问题还是值得深思的；二是有越来越多的中国内地设计师成为国际平面设计联盟（AGI）的新会员。这两个组织在过去一直是互不相容的。由于设计的特殊性，职业设计师一般情况下对中国美术家协会的职位并不认可，相反，对一度被认为是代表国际平面设计界最高水平的AGI寄予了厚望。但近年来AGI的表现似乎再一次提出了由专业设计师齐心合力建立一个中国设计自己的权威组织的必要性和紧迫性。
中国美协恐怕无法承担设计界的复杂局面。尽管如动画、摄影、书法、设计等学科目前都是在美术学院里招生和教学，但在实际社会操作中，这些学科往往都需要自己独立的协会组织，而“美协”天然地被理解成为绘画工作者的组织。事实上中国目前从事设计的人数是纯粹的画家的几倍，美术学院中设计类学生的总数也几乎超过各种“纯艺术”的总和。这样看来美协把“设计”纳入其中、作为与各画种同等的“美术”门类的确是有些不成比例。
不容乐观的外部环境
2004年12月，设计师陈绍华在中央美术学院做了题为《我无话可说》的演讲，以比较尖锐的方式和建设的立场正面地提出了“中国现代设计的人文环境”问题，指向了设计外部环境的建设，呼吁在社会公众中建立良好的认识、理解设计的话语氛围。似乎我们可以悲观地看到，尽管有设计师和研究者们的共同呼吁，中国设计的环境建设在最近几年来依然没有得到很好的改善。事实上，设计作为一门艺术，相对于其他以表演或纯粹展示为目的的艺术种类，无疑与公众的日常生活有着更加紧密而直接的联系，因而在社会学的意义上，设计的确也更有利于实现“审美教育”即“美育”以及“现代性启蒙”这两种艺术和艺术教育所肩负的职能。换言之，一个国家审美水平乃至现代化程度的高低，与该国家设计创作的水平有直接的联系；同样，出于设计创作的特殊条件，设计水平也不得不受制于社会的审美与接受程度，其“超前性”在社会动力学的意义上仅仅是相对的。然而，目前基本可以判断：中国公众的审美和设计接受水准，还停留在比较低的现实层面。
试举各个平面设计门类为例。标志设计方面，继2003年公布的受到广泛质疑的北京奥运会标志“中国印”之后，2004年以来陆续发布的一些涉及外事活动的两件重要作品——残奥会标志和上海世博会标志，依然很难令专业设计师称道，无法重现北京申奥标志的辉煌。邮票设计方面，大部分作品依然出自“国家邮票发行局邮票设计室”体制之下，未在专业设计师中征集或进行评议，而只是低水平重复，乏善可陈，失掉了很多利用邮票设计对公众进行现代性启蒙的大好机会。
事实上，一些媒体和学术机构已经有意识地在推进这种外部环境的建设，设计教育也逐渐在学术界取得一定的地位并引起教育界的注意。中国的平面设计是否有机会借产业的东风开创新的局面，至少应该是一个值得期待的问题。
新媒体对于平面设计的冲击
进入21世纪以来，中国的平面设计行业尽管仍在增长，但其发展的速度已经不像往常一样“节节高升”，而是在新媒体的冲击下显出衰落的迹象。在一个媒体环境日益变化的背景中，新媒体以无可抗拒的速度崛起与侵入，是否还留给“平面设计”自我完善与学科建设以足够的时间呢？
面对人类传播环境和传播技术日新月异，而报纸、杂志等传统单一视觉的平面媒体广告量每况愈下的生存现实，今天的平面设计专业，再也不能无视新媒体对传统媒体形成的挑战。眼下，意识到这种市场变局的学校已经开始通过压缩传统平面媒体类课程、课时的方式在平面设计专业的课程体系内加入了新媒体的内容，但把这种向新媒体的转向仅仅看作是平面设计专业的“内部调整”是不够的。作为一种职业，一个设计专业的教师从“工艺美术”改行教设计，或是课堂讲授的内容从“美术字”转向“字体设计”算不了什么；但对于一门课程、一个专业乃至一个学科来说，这看似轻松的“转型”二字的背后却蕴含着很多耐人寻味的东西。面对这样一个尴尬的“平面”，每一个从业者也许都应当思考自己能够为这门学科贡献些什么？
]]>绝非小技 绝非小道
——简论叶浅予的速写艺术
谢春彦
叶浅予先生百年诞辰，中国美术界举行了相应的展览和纪念活动。先生一九九五年病逝于北京，至今也有十几个年头，足见历史脚步的匆忙。叶先生是画界中难得的一位儒道合流式的明白人，以他的明智，不知生前可或料想今日画界之种种。不过我想国人在回顾过去百年的中国美术史时，是不会也不该将他忘却的。他是一位杰出的画家，也是一位杰出的美术教育家，然单以前者的身份视之，先生的漫画、速写、水墨人物三项则足有他自身的光辉，长普不灭。
今但说其速写。
叶先生在中国的新美术运动中当为一开山级的人物，最彰显的莫过于漫画和速写两项，然中年以后渐次疏离漫画，速写却是一辈子没有停止，手不停挥，兢兢业业，凝神专注，乐在其中，是毕生的事业，亦是毕生的癖好，至其将终，还以毛笔宣纸把盛年时期的速写力作重作数枚长卷，并论文再次总结速写一道的种种，似可视为这位速写巨匠对速写的最后教言，深值珍视。如此一生系于速写，在经过颠沛流离和“文革”之难后，仍存下数以万计的速写遗稿者，亦当世之稀者。这宗速写分赠中央美术学院、中国画研究院、中国美术馆及他的故乡叶浅予艺术馆，真是皇皇巨珍，正待吾人研究开发。于之，不独可探究叶浅予先生的思想、艺术而技术，亦足可印证吾国上世纪二十年代以降长达七十年间的形象历史及其流变。昔人谓杜诗为诗史，那么叶浅予先生一生的速写之作，关注人物、关注时代、关注民族的命运，复将之化为纸上的形象，亦若老杜，堪称画史，在他真实而感情投入恳切的挥写中，自有历史长链散落下的大量珠串可究可探，岁月难掩其光华也。
何谓速写？简言之则为减笔写生画也。然若以此概先生毕生之好之劳作则浮泛甚甚了。我曾拜观先生各时期大量速写原稿，亦曾直观先生命笔作速写的现场，真全神贯注，持笔如临阵运神兵之大将，目光如炬，势若雄狮搏兔，电光火石，迅然成作。遂可断言，叶浅予的速写乃是一一他手操毫管直面造化的一场生命艺术的撞击。非惟徒事摹拟呆写、描头绣脚者流可以梦见，亦非以所谓科学素描之法所愈写愈错者也。绘画乃情致、意气之事，叶公的速写尤其如是。他之所写不独写尽了造化诸象诸神，亦记录了他昂扬宏美的生命，我们今天面对他的速写仍可感受到他生命的滚烫和火花般的壮丽华美。
叶公的速写，于其挥写的六七十年间，大致可分三种类型，早期倾向漫画意味，而上世纪四十年代以降则倾向中国画，晚年之写则又往往显出回浸漫画意味，神龙回首，首尾相系也。然综而观之，当是一律放笔直干，率性而为，智敏肯定，当机立断：以形写神，神完气足，无赘言废笔，豪迈大气，痛快淋漓，令人想起并规照中国大写意的优秀传统和书法行草中那种慨然赴之的生命情节。
先生早岁在上海，年方二十出头的风华岁月即办杂志、绘广告、弄摄影、画漫画、通设计，风风火火，八面出手，开始其传奇丰富的艺术人生，他的漫画名作《王先生》，也赫然登场，轰动海上，名噪南北。因着时事和报刊的需要，他的画笔在无师自通地妙绘王先生之时也开始无师自通地涉足速写，以之为记录和调侃、批判社会的艺术利器，轻快而迅捷也。然更为王动自觉地开拓叶派速写一道的新路还在三十年代初叶，于此他曾回忆道：
“在十年职业实践中，从来都是凭记忆和想象起稿造型。一九三三年秋天在上海和墨西哥漫画家珂佛罗皮斯相识，我见他身上经常带着小本本，记录他在旅行中所见的各种形象，从此我也拿起了速写本”。
“我是画漫画的，塑造形象必须用夸张手法，因此，我画速写时有意发挥这一手法，记录对象的特征，以此运用到我所创造的丑角形象《王先生》和《小陈留京外史》中去。自从我开始在生活中记录速写形象后，比之以前那种只凭臆想编造出来的脸谱和人物要丰富真实。由于长期在生活中画速写，促成了我对形象思维的敏感……
一九三六年七月叶先生在上海杂志社出版了一本名为《旅行漫画》的速写集子，由南而北地展现了当时极为生动的种种社会人生相。用笔爽利，以夸张为主调，是风格十分新鲜的速写作品，有主题，有见地，那敏锐的快笔颇如医生的手术刀，批判的功利目的是显见的。与后来指染中国画时期的所作，风致颇为不同。所绘人物是眼中之人，亦为漫画大家的意中之人。因之这些作品绝非呆滞地复制对象，在主观意识的影响下，铸造出时代符号明显的华章。如《算命者》一幅以铁线之描十分流畅简洁魔幻般地塑造出那个时代的光怪人物，画中人物目光之空洞，行止之无味，生活之无奈，生命之枯淡，以及写者之哀之怜之嘲之恨之痛，皆在笔下矣。颇有些前不见古人，后不见来者的况昧!余如南京船民，北地老妇，舞女洋少等等，总被——速而写之，充满生命力。
这段时期叶先生的速写风致，至今依然放射出宝贵的光华，它是老旧以及学院派所孕育不出的异品异格，切近生活，切近生命，切近时代，法意独树，古稀而后依然打动吾辈，并给僵化的人物画创作树立着一杆异美的情、艺、技的坐标，令人深长思之。
抗战入蜀时期，先生交游大千一辈，又因与舞蹈家戴爱莲结合，钟情舞蹈，此后的速写接近水墨，渐渐与所谓中国画靠拢，弱化漫画意味，多为其宣纸上的人物画创作服务，这在苗区、藏区人物以及舞蹈速写中尤为韶著。及至在为徐悲鸿先生延为美院教席，及其后多年主持中央美院国画系中，他的大量速写亦生出学院派的需要来。如倾向于慢写的老妇、老农，更向写实主义靠近，这在苏派教育体系和新主题创作的制约下，亦为他的一种积极应对。但是他的艺术性格并没有根本地动摇，尤于速写一道还是一贯而下，保持着一种可贵的取形攫神、潇洒刚健的体相，于放脱中自具严谨，在凝肃规整中自由放达，显出叶派速写的独一番家法。如果著名的《扇舞》，只写背影，用线舒曼而劲脱，如一笔画贯之，通体畅然，亦动亦静，天然模样呼之欲出。于兹之用笔用墨，几乎让西洋炭笔于洋纸上化合成崭新的写意神品，那动作、那动律、那韵致、那雅化、那生命、那法和意皆由叶公的神笔一蹴而就其中矣，这等速而写之之作，若放诸四海是一概而会令中西惊艳的；中国书法畅神的用线，因叶公的心手妙合使速写可诸作品，并晋而为名作了。
再如他面对寿高九十的白石画翁所写的数帧，也是下笔肯定，简而神。老画师的目光和平被他手中的细铅笔线作为得是如何地让人叹服!其后先生又以白描之法写于宣纸，便是我们每见每叹的那幅白石老人影像了!中国的士人向有成仁之义顿悟之快，这仿佛亦为一个文化情结，在许多叶公的速写名作中，我们自可把此之道和此之技打通起来，因之透过所谓速而为之的寥寥数笔，还是应该认识到叶公的底里，他那种意气、心胸、怀抱、人文精神自不可等闲怠慢了。至“文革”罹难以前，他大量的舞蹈、戏剧人物速写，真正达到了一种具有中国新风的极致，所写梅兰芳、荀慧生、盖叫天、周信芳等以及中外之舞、剧，俱将角色和演员神奇般地杂而糅之，再加上他的笔中风神，直人炉火纯青达天衣无缝的化境了。就中调性是明亮昂扬的，却又不失于浮泛轻率，韵律是健劲流动的，却又不失于浅尝辄止豆灯飘影；他不是见红画红，见绿画绿，对于造化他有因长期训练、砥砺、深究、体悟而形为的特异法门，于对象、造化自有其深切的体认和调派。他常告诫我辈在速写中观察、记忆、默写功能的运用，便深入于上述的大底蕴之中。
“文革”以后，尤其在叶先生去世前的二三年间，他一辈子不弃不舍的速写明显的画得少了，然如故乡之行桐庐所见还是留下了相当珍贵的篇幅，足资研究。但是明显的是在表现手法上又渐溯漫画的格调，与水墨新作《长安怀古》以及《天安门》系列形为照映。虽然在叶公晚年，我常有幸侍之左右，谈艺论文，受教多多，可遗憾的是竟没有与他讨论这种转向的原委究在何处。另外，跟随他一生的铅笔和速写本也似乎疏于使用了，他之以往速写时利如鹰目的双眼也日渐趋于平和祥慧…
桐庐桐君山麓，薄雾未散，足下富春江青流依依，我曾和老人家沿画苑门前那两株巨人般的枫、樟树拾级而下，趟着晨露向麦田坞步去，他坚持不要别人的扶持，一里二里地行去，呼童咤犬，我侧眼望之，他那双眸依旧仿佛在看着、绘着、强记着、思索着，我想他仍然抗拒不了一辈子的速写情结，仍然在心画着吧，否则那百幅富春百图，西天目组画以及《旅程画眼》中大富漫意的附图，又何所生出呢!故写与不写，不写之写，皆其速写之大写之道也。
速写的功能何在?速写的法门何在?目前叶公的老友大漫画家华君武先生得知我在编纂浅予先生的速写新集时，兴奋地说，速写对于绘画以及创作的关系真是大可探究的啊!是的，若速写只是信手挥之的小技小道的话，智勤若叶公者就不会将毕生的心力倾之于斯矣。他盛年的名作，曾被张大干激赏并临摹的《印度舞》、五十年代的《北京进城》、六十年代的《白蛇传》彩墨海报以及晚年的力作山水长卷《富春山居新图》等等皆莫不与他的速写有着明显的脐带血脉依存关系。吾忽生狂想，或若以电子计算机将他一个多甲子速写之线连而计之，又当几许之长耶，又当几许之不尽耶!叶公即以速写一道目之，也当不虚此生，亦不虚此生之激荡、这无尽绵长的生命之线所构建的艺术门类，后辈后人岂能不引以为宝？又岂能不由之探究通向大美之境？而叶公被我费新诸先生誉为“新仕女画”的舞蹈、戏剧女性水墨之作中所铸造的健康美学典范，其底基主要源于新时代新对象速写活用的滋养，读者当不可不察。
当今画坛，在繁荣喧闹之中乱花迷目，从艺者成军成阵，多于牛毛，打着各种旗号、主义的鱼目混珠者可谓空前，急欲成功急欲敛名敛利者比比皆是，以相机照片代替生活观察，妄下笔墨而弃速写于不顾者何可胜数。沙滩上是建造不起艺术殿堂的，真正的速写也是绕不过的童子功夫、科班功夫，故吾亦欲以叶公的速写呼唤同道中的迷失。遂捡出五十三年前他撰与的那本影响一批一批一代一代习画者的《怎样画速写》重新印行，并补充相关文章以及二百多幅其各个时期的速写，合为一集，名之为《叶浅予谈速写》，列入上海人民美术出版社的“名家讲稿”之中，也算是我对这位恩师百年诞辰的纪念吧。
速写不独可以独立为一门艺术，为绘画创作立功张本，速写也是可以出如叶浅予这样光彩夺目的速写大家的。
如何让读研价值最大化
冰启
2009年全国共有124.6万考生在全国各地应试研究生，报考人数比去年略有增加，但并没有如意料般出现“井喷”。
在笔者看来，在金融危机影响下，考研没有“井喷”，一定程度表明，目前研究生报考，日趋理性。更多的考生，已经不再盲目跟风，听信某些专家关于“当前就业形势严峻，可以选择考研”等建议，就把考研作为当前就业的避风港，而是对考研的投入与产出进行理性分析——能不能挤进避风港还很难说，读研几年之后的就业形势也十分不明朗。
理性选择考研，才可能理性对待读研。这是影响研究生培养质量十分重要的因素。有关调查显示，过去几年间，选择考研，有学术研究兴趣的只有不到20%，超过70%的考生寄希望于拥有更高学历，以获得更好的就业机会。这种读研追求，直接影响研究生求学阶段的积极性，促使研究生学历加速贬值，相当数量的研究生，只有研究生的身份，而无研究生的能力。
对于选择考研的学生，笔者有如下建议。
首先，做好职业生涯规划，明确自己读研的目的。麦可思完成的上海应届大学毕业生读研的动机分析指出，就业问题仍然是读研的首要动机，66%读研的人是为了就业和职业发展的需要。在大学毕业时，每个毕业生都应该理性分析自己的能力与素质情况，对考研学生来说，更应如此，这可以确定自己读研的奋斗目标，而不至于在读研期间漫无目的。那种认为更高的学历可以更好就业、把研究生作为就业避风港的想法，必然在现实中碰壁。笔者曾在一所学校给研究生做讲座，讲座结束，有30多个学生提问，其中不少是关于“是不是在一年级就到企业去实习，有助于今后就业？”“做学术研究，有前途吗？”等等问题，反映出他们普遍存在迷茫情绪，这种状态，令人堪忧。
其次，主动利用大学的各种资源，不做被动的求学者。众所周知，当前的研究生教育体制存在诸多问题，每个导师所带研究生过多，无法精心指导，学校有关研究生的管理规定，不科学不合理，但如果一味抱怨制度，而不从自身出发努力去改变，研究生就有可能成为这种制度的“受害者”，在“放羊”中除了一纸文凭一无所获。近年来关于研究生培养质量的各类调查显示，在学生抱怨导师不负责的同时，超过半数的导师认为研究生质量下滑。对此，一方面我们要呼吁学校改革研究生培养制度，让研究生不被折腾，另一方面，研究生也寻找自身的原因，是否努力付出，是否积极主动。
再次，正确认识精英教育，把自己培养为真正的社会精英。在高等教育毛入学率达到23%的大众化教育的背景中，我国的研究生教育，无疑还属于精英教育层次，但长期以来，我们对精英教育存在误解，把精英当作是有不同身份、不同地位和社会特权的人才，导致他们普遍脱离社会、高高在上。真正的精英教育，应培养学生杰出的能力、高度的社会责任感、进行平民教育。作为研究生，要得到社会的认同，应努力在求学阶段，培养自己杰出的能力，树立社会责任意识，有平民情怀。这样的求学，才最有价值、也才能让自己的投入回报最大化。
但很显然，目前的研究生教育与学习，偏离了以上轨道。从培养模式看，是本科延长版，从培养内容看，为追求“就业率”，突出技能教育，其必然结果是，从个人定位看，研究生心高气傲，从用人成本看，研究生高于本科生（至少起薪高一点），从实用技能看，研究生低于高职生。因此，研究生必须明白自己的竞争优势在何处，而不能在迷茫地度过三年硕士教育之后，发现自己与本科生、高职生竞争，却处于劣势。
英国青年艺术家在经济危机中成长
来源： www.ccdy.cn 作者：朱洁树
YBA可译作“英国青年艺术家”，指一群在英国进行创作的艺术家，其中大部分毕业于上世纪八九十年代伦敦的葛德史密斯学院，包括达米安·赫斯特、特雷西·埃敏、吉莉安·韦英等。这一称号来自萨其画廊的同名展览，该展览自1992年举办至今。YBA因“震撼战术”而出名，如今大多数成员已经40多岁了，他们在1990年代主导了英国艺术。在格里格·穆尔最近出版的新书《幸运艺术》中，这位达米安·赫斯特当年的校友描绘了当时经济衰退背景下这群生活在伦敦的艺术家们“挥霍”而又创造力旺盛的青春年华。
上世纪80年代晚期离开艺术学院的这群人，前途一片黯淡，十数年的教育背景在当时经济形势下一无是处。1990年7月，一个名为“赌徒”的展览在一个旧饼干厂里举行。参展者包括YBA发起者之一的安格斯·菲赫斯特和达米安·赫斯特。赫斯特的一件作品《一千年》，展示了苍蝇在一块玻璃上被孵化出来，然后死在另一块玻璃上。“这件作品让我感到震惊。它是美的，难以忘记的——更重要的是，它将被载入艺术史册。”穆尔回忆道。在惨淡的经济环境中，新一代艺术家的才情被激发了出来，他们在任何可资利用的空间——废弃的厂房和仓库、空空如也的办公大楼——开办群体性的展览。当整个国家勒紧了裤腰带过日子时，年轻的艺术家想的只是把自己的作品公诸于世：他们没有钱，也不会输掉什么。这些展览刺激到了参观者的神经。穆尔回忆：“1992年，我被解雇了，只能从公寓里搬出来，我坐车从伦敦这头到那头，最后只能步行，袜子上磨出了一个大洞；但这一切都不是问题，只要展览开幕式上有免费啤酒。”
1993年，特雷西·埃敏和莎拉·卢卡斯合伙开了个画廊。在一座摇摇欲坠的房子里，货架上塞满了零碎的小东西：啤酒罐、小片的织物，正儿八经出售的有用香烟壳子折成的动物，售价等于一包烟的价钱。还有一个达米安·赫斯特烟灰缸——底部贴了一张他的黑白照片，当你把香烟屁股掐灭在赫斯特的脑袋上时，总会觉得怪怪的。平日里商店相当冷清，而到了周末就变得辉煌而怪诞——周六11点到周日4点。“我们通常午夜后到，当伦敦其他地方都关门了，只有这儿还醒着。” 穆尔回忆道。
年轻的艺术家们对当时的社会现状同样敏感。吉莉安·韦英用一系列名为“写下你要他们说的话，不要写别人要你说的话（1992-3）”的照片捕获了当时人们的情绪，其中有一张照片特别显眼，一个年轻的商人，穿着西装打着领带，举着的一张纸上写着：“我很绝望。”韦英回忆说：“我追了他几条街。他只来得及拍一张照片，他看起来是无意识地写下这句话的。我想当时他自己也被写下的话吓到了，说明这肯定是真实的。然后他有一点生气，交还纸跑掉了。”
上世纪90年代初，当政治家还在争论是否要用“衰退”这个词时，英国人已是彻头彻尾地绝望。当经济在低谷颠簸而行时，年轻一代的艺术家们却获得了机会，由此成长。
学院应该贡献学派
----从佩夫斯纳《美术学院的历史》说开去
来源： www.ccdy.cn 作者：邱志杰
不管是Google还是百度一下《美术学院的历史》，出现的链接大多数是国内各大美术学院和美术学校的主页和校庆活动报道，这很是叫我吃惊。尼古拉斯·佩夫斯纳的著作在整个中文世界的知名度之低，和他在英文世界中的德高望重形成鲜明对照。作为《鹈鹕艺术史》和《英格兰建筑》系列丛书的创刊编辑，牛津、剑桥和伦敦大学的教授，佩夫斯纳早已被认为是20世纪最杰出的建筑历史学家、重要的艺术史家和建筑评论家。其质朴的《美术学院的历史》，更少大众读物的表面色彩，事实上，在作者的社会艺术史的思想体系中具有示范性的个案价值。我企图从欧洲美术学院的历史中，看到对于今天的艺术教育模式有借鉴作用的因素。
学院的西方发展轨迹
学院的发展历史是一个不断设定自己的假想敌的历史。当年最早出现的学院，和我们今天所见的美术学院模式相去甚远，而和柏拉图的“学园”渊源更深。它不仅限于美术，更多的是人文主义者的非正式聚会，是无拘无束的、轻松愉快的小圈子。它出现的动机之一就在于反对被教会垄断的大学的单调乏味的学究方式。这个阶段的人文主义者的“学院”，在我看来，很接近于古代中国文人的雅集。如“苏门四学士”的活动和西泠印社这样的民间艺术家组织，教育的基本模式是中国式的“从游”。志趣相投是组织得以形成的基本出发点，教育则是有意无意间的濡染。
在文艺复兴时代的欧洲，这种聚会很快被收编。因为有着共同的假想敌——教会，他们向集权统治者寻求赞助和庇护。学院由文艺复兴时代的自由精神转向民族主义的意识形态。除意大利外，在德国、法国、英国都经历了一个相似的由民间发起、官方认定的学院建立的过程。学院的这种转型其实是人文主义者在中世纪的社会结构之后寻求重新建立学问与新的社会关系结合的不得已的选择。巴黎皇家美院的模式在欧洲各地被普遍拷贝，更是在一种重商主义的逻辑之下展开的。
这一时期的美术学院，出现两种分裂，向下表现为中心城市的美术学院大量地在小地方开办分校的模式，这与今天中国各家美术学院的扩招有着惊人的相似；向上则是浪漫主义渐渐抬头，对于“灵感”、“艺术的魔幻力”的崇拜，和天才论一起盛极一时。艺术家不肯为社会服务了，相信自己是天才。除了对教学方式的刻板、零碎提出批评——当时的美术学院还只是一些素描学校——他们更加质疑到整个艺术教育本身的可能性。当年浪漫主义者对美术学院的批评中充斥谩骂：“木乃伊艺术”、“奴性的学习”、“像一块变质的干酪，无数艺术家从这块干酪里爬出来，像一堆蛆一样”……其激烈程度远超过今天最自以为别出心裁的批评家。他们中间最激烈的人建议：“完全取消学院没有太大的坏处”，“让政府废除美术学院”。
美术学院也确实很难面对这些指责。佩夫斯纳在他的书里说：在没有美术学院的时代，洛可可教堂里巨大的天顶画，由师傅带徒弟的作坊类教育模式培养出来的匠师们，一直都是可以胜任的。匠师们虽然不是什么伟大人物，但是他们牢记传统，他们的存在保证了文脉的延续，他们通过合作依然一代代地在产生大作品，可是美术学院的画家们会把这视为畏途。这在我们今天同样可以看到。
当美术学院向欧洲之外的地区传播的时候，它开始遭遇文明差异问题。以巴黎美院为蓝本的基础教育对于这些非欧洲地区来说，意味着欧洲教育模式的引入。日本、印度、泰国和中国的美术学院学生在不同的地方，画着同一个希腊雕像的石膏复制品。这样一种统一的教学体系，要面对和各个国家的艺术传统兼容的问题。所以在这些地方，融合地方传统与这种“世界性”的美术教育体系，经常成为问题。正如中国最早的国立美术学院杭州的美院成立之初，就把“融合东西艺术”作为口号提出来。经过几十年的磨合，在这些地区，来自欧洲的巴黎美院素描体系和本地的艺术传统开始找到妥当的话语来确认各自的位置。通常把欧洲体系作为基础，而“日本画”、“中国画”、“泰画”作为一个高年级专业加以扶持。也许经受了长期的殖民统治的印度是一个例外，在印度，美术学院几乎就是欧洲美术学院的翻版，印度传统艺术则只在民间工匠中继续存在，为游客们生产旅游纪念品。
“美术学院培养不出艺术家”
今天的中国社会处在一个空前的重商主义的时期，国家对艺术教育的意识形态色彩的淡化和社会对实用性的要求，导致新中国成立以来美术学院在教学方面的精英倾向的相对淡化。招生数量众多、学科多样化的巨型学院的出现，正是这种表现。而美术学院的人文使命，更多地是作为一个研究和创作单位来体现，而不仅是教学单位。2003年后，当代艺术教育正式进入中国主要的美术学院。事实上，美术学院中的当代艺术教育正在成为市场体制建设和美术馆建设运动之后，当代中国艺术界中正在发生着的最重要的运动。
反学院呼声在历史上从来都不绝于耳，但是，“美术学院培养不出艺术家”论起码在今天的中国是荒谬的。我们并不需要过多辩驳，只算算人头就可以得到结论。何况，今天的美术学院也早就不仅仅以培养艺术家作为唯一的使命。
但是，美术学院依然有必要在这样的反对声中来重新思考自己的使命：一方面，学院如何表现出对于当代思潮的敏感性，与艺术江湖上的运动紧密互动，强化学院的思潮聚合能力，使美术学院成为最有活力的艺术思潮的实验场。如同上世纪80年代的浙江美术学院之于当代中国艺术，金·史密斯学院之于新英国艺术家群体那样。另一方面，学院又须与江湖舞台拉开距离，保持大学系统的学术独立性，只有这种独立性能给美术学院带来史学梳理能力和理论批判能力，成为一种反思的力量。
此外，在新媒体、文化交流等语境中，学院比之学院外的艺术界，有其强大的优势——由于新媒体的技术依赖性，学院、研究院等学术研究机构所拥有的软硬件条件，往往为个体的新媒体艺术家所不能比拟，事实上在世界各地也成为新媒体艺术研发的重要基地。和由各国使馆文化处、歌德学院、塞万提斯学院之类的文化传播机构花费大量资金组织的国际文化交流项目相比，各国美术学院的校际交流所促成的青年之间的互动，是文化交流的理想境界，而事实上在美院的留学生与本国学生之间，鲜活的文化交流每天都在发生。这些要素都将可能促成学院在新的语境中激发出新的活力。最后，今天的文化生产模式正在迅速转型，Google、百度和维基这样的工具极大地改变了知识的分配和再生产模式，教育也随之正在发生巨大的变化。由传授——接受的单项模式走向合作性和参与性的文化生产模式，这些都将给今天的美术学院带来新的机遇和挑战。
在这种若即若离中，在明了自身的优势和劣势之后，美术学院将会有能力成为新的模式的文化生产的基地。学院应该贡献学派。